Don Brown

When first confronted with the work of Don Brown, viewers are initially overcome by a dual perception that alternates between an historical art form – statuary – and what it represents – a contemporary woman.

Visiting an exhibition by the artist is not unlike walking through an archaeological site from the future. The technical quality of these sculptures inevitably evokes both the skills of the Greco-Roman era and Italian neo-classicism, not least the central importance attached to plinths in its museography.

If we take a closer look, however, a number of anachronistic details unsettle this initial impression. High heels, sunglasses and clothes in the latest fashion all clearly indicate the twenty-first century.

For his first exhibition at the Almine Rech Gallery in Brussels, Don Brown has produced his sculptures at a scale that is significantly larger than usual. Questions of scale are essential in the long process involved in the preparation of these works. The artist initially fashions a detailed clay maquette that will serve as the prototype for a much larger cast. Following enlargement and refining, the sculptures are then produced in either acrylic composite or bronze, but also, although rarely, in silver. The making takes several months, and the pieces are finally covered in a layer of gesso.

For years now Don Brown has been photographing his sculptures against a white background in daylight in order to document his work and bring out elements. By enlarging the prints, he gradually discovered in the flat representation of a volume a certain autonomy that is both powerful and subtle: “It’s as if everything is concentrated in a single view and the surface is uninterrupted” (D.B.). For the first time, the artist will present large prints of these photographs in an exhibition, images which he now sees as artworks in their own right.

The “Yoko” project thus consists of a complex set of sculptures, drawings and photographs, which interact with one another through the recurrence of a single subject: the representation of the artist's muse. The rhythm of production of Don Brown’s works and their technical perfection are typical of classical sculpture, of a time when a craftsman could spend an entire lifetime polishing a single work by hand. It expresses the artistic fantasy of the ultimate masterpiece.

Don Brown, born in 1962 in Norfolk, England, studied at the Central School of Art, London (1983-5) followed by the Royal College of Art, London (1985-8). He has been the subject of solo exhibitions across Great Britain and Europe, including at Le Consortium, Dijon (2007). Don Brown’s work has been included in significant group shows, including SNAP: Art at the Aldeburgh Festival at Snape Maltings, Suffolk, UK (2011), Crucible at Gloucester Cathedral, Gloucester, UK (2010), In the darkest hour there may be a light at the Serpentine Gallery, London (2006) as well as The Naked Portrait, 1900-2007 at the Scottish National Portrait Gallery, Edinburgh (2007). In 2012 his work will be exhibited alongside Degas’s Little Dancer Aged Fourteen (1880-81) in Presence: the Art of the Sculpted Portrait at the Holburne Museum, Bath, UK. His works are held in prominent collections, both public and private, including the Tate, London; the Museum of Realist Art Schering, Spanbroek, Netherlands; the Olbricht Collection, Berlin and the Museum of Modern Art, New York. He currently lives and works in Suffolk, England.


© Nicolas Trembley
 

Lorsque l’on est confronté pour la première fois au travail de Don Brown, on est d’abord saisi par une double perception qui oscille entre une forme historique, la statuaire, et ce qu’elle représente : une femme d’aujourd’hui.

Visiter une exposition de l’artiste, c’est un peu comme arpenter une archéologie du futur. La qualité de la réalisation de ces sculptures renvoie inévitablement aux techniques utilisées à l’époque gréco-romaine ou au néo-classicisme italien, ainsi qu’à sa muséographie constituée de socles.

Mais en y regardant de plus près, certains détails anachroniques viennent perturber cette première sensation. Hauts talons, lunettes de soleil ou vêtements à la mode affichent clairement leur appartenance au XXIe siècle.

Pour sa première exposition à la galerie Almine Rech de Bruxelles, les sculptures de Don Brown ont été produites dans une plus grande échelle qu’habituellement, comme si l’artiste avait été influencé par le volume du lieu.

Les questions d’échelles sont essentielles dans le long processus d’élaboration de ces oeuvres. L’artiste, au départ, modèle de façon très précise une petite statuette d’argile qui servira de prototype à un moule beaucoup plus important. Après la première phase d’agrandissement et de polissage, les sculptures sont ensuite produites à partir d’acrylique composite, en bronze ou encore mais plus rarement en argent. Le processus de création dure quelques mois, et les pièces composites sont ensuite recouvertes d’une couche finale de gesso.

En parallèle, depuis des années, Don Brown photographie ses œuvres sur un fond blanc pour documenter son travail et faire ressortir certains éléments qu’il entrevoit mieux de cette façon. Peu à peu en agrandissant ses tirages couleurs réalisés à la lumière du jour, il découvre dans la représentation plane d’un volume, un aspect autonome à la fois fort et subtil : «C’est comme si tout était concentré en une seule vue et que la surface était ininterrompue» (D.B.). Pour la première fois, l’artiste présente dans une exposition des grands formats de ces photographies qu’il considère désormais comme des œuvres à part entière.

Le projet « Yoko » c’est donc un ensemble complexe de sculptures, de dessins et de photographies qui dialoguent dans la répétition autour d’un sujet unique : la représentation de la muse de l’artiste. Le rythme de production et la perfection des œuvres de Don Brown restent ceux de la sculpture classique, une époque où les artisans passaient leur vie entière à polir un seul ouvrage à la main. C’est le fantasme artistique du chef d’oeuvre ultime et c’est sans doute cela qui fascine les plus grands fans et collectionneurs de Don Brown.

Don Brown est né en 1962 dans le Norfolk en Angleterre. Il a étudié à la Central School of Art, (1983-5) ainsi qu’au Royal College of Art (1985-8) à Londres. De nombreuses expositions personnelles lui ont été consacrées à travers l’Angleterre et l’Europe notamment au Consortium de Dijon en 1997. Don Brown a également participé à une série d’expositions collectives telles que SNAP: Art at the Aldeburgh Festival à Snape Maltings, Suffolk, GB (2011), Crucible à Gloucester Cathedral, Gloucester, GB (2010), In the darkest hour there may be a light à la Serpentine Gallery en 2006 ou The Naked Portrait (1900-2007) à la Scottish National Portrait Gallery à Edimbourg en 2007. En 2012, son travail sera exposé aux côtés de La petite Danseuse de Quatorze Ans (1880- 81) de Degas au Holbourne Museum, Bath, UK. Plusieurs de ses œuvres sont conservées dans des collections publiques et privées telles que la Tate Collection à Londres, le Sheringa Museum of Realist Art à Spanbroek dans les Pays-Bas, la Olbricht Collection à Berlin ou encore la collection du MoMA à New York. Il vit et travaille actuellement dans le Suffolk en Angleterre.

© Nicolas Trembley

Bij een eerste confrontatie met het werk van Don Brown wordt men direct gegrepen door een dubbele perceptie die oscilleert tussen een historische vorm, het beeldhouwwerk en hetgeen het vertegenwoordigt : een hedendaagse vrouw.

Een expositie van deze kunstenaar bezoeken is zoals archeologie van de toekomst bezichtigen. De kwaliteit van de uitvoering doet onvermijdbaar ook denken aan het Grieks-Romeinse of aan het Italiaanse neoclassisisme, evenals aan haar museografie die bestaat uit zuilen. Van dichtbij echter verstoren anachronistische details die eerste gewaarwording. Hoge hakken, zonnebril of trendy kledij tonen heel duidelijk aan dat de beelden tot de 21e eeuw behoren.

Voor Don Browns eerste expositie in de Almine Rech Gallery in Brussel werden de sculpturen op een grotere schaal geproduceerd dan gewoonlijk. De vragen in verband met schaal zijn essentieel in het lange ontwikkelingsproces van de werken. Eerst modelleert de kunstenaar op heel precieuze wijze en op basis van tekeningen een klein beeldje in plaaster dat als prototype zal dienen voor een veel grotere moule. Na de vergroting en verfijning worden de sculpturen in acryl composiet, brons of heel zelden in het zilver gegoten. Het proces duurt maanden, daarna worden ze bedekt met een laagje gesso.

Parallel met zijn beeldhouwwerk fotografeert Don Brown reeds gedurende jaren zijn sculpturen op een witte achtergrond, om zijn werk te documenteren en sommige details te accentueren voor een grotere observeerbaarheid. Door zijn kleurafdrukken, die hij in het daglicht gerealiseerd heeft, te vergroten ontdekt hij in de vlakke representatie van een volume een zekere autonomie die zowel sterk als subtiel is : "Het is alsof alles geconcentreerd is in een enkel zicht en alsof het oppervlak ononderbroken is" (D.B.). Voor het eerst zal de kunstenaar grote formaten van zijn foto’s in een expositie tonen ; foto’s die hij ook als onafhankelijke kunstwerken beschouwt.

Het ‘Yoko’- project is dus een complex geheel van sculpturen, tekeningen en foto’s die onderling dialogeren door de herhaling van het onderwerp: de vertegenwoordiging van de muze van de kunstenaar. Het produktieritme en de perfectie van de kunstwerken van Don Brown zijn typisch voor het klassieke beeldhouwen, een periode waarin de ambachtsman zijn hele leven kon spenderen aan het polieren van een enkel werk van zijn hand. Dit is de artistieke fantasie van het ultieme meesterwerk.

Don Brown, geboren in Norfolk, Verenigd Koninkrijk in 1962, studeerde in Londen aan de Central School of Art (1983-1985) en aan de Royal College of Art (1985-1988). Verschillende solotentoonstellingen werden aan zijn werk gewijd in het Verenigd Koninkrijk en in Europa ; onder andere in het Consortium in Dijon (2007). Don Browns werk werd tentoongesteld in belangrijke groepstentoonstellingen zoals SNAP: Art at the Aldeburgh Festival, Snape Maltings, Suffolk, Verenigd Koninkrijk (2011), Crucible, Gloucester Cathedral, Gloucester, Verenigd Koninkrijk (2010) ; In the darkest hour there may be a light in de Serpentine Gallery, Londen (2006) alsook The Naked Portrait, 1900-2007 in de Scottish National Portrait Gallery, Edinburgh (2007). In 2012 zal zijn werk samen met Degas’ Little Dancer aged fourteen (1880-1881) in Presence : the Art of the Sculpted Portrait, Holburne Museum, Bath, Verenigd Koninkrijk, tentoon gesteld worden. Zijn kunstwerken maken deel uit van belangrijke publieke en privé-collecties : Tate, Londen ; the Museum of Realist Art Schering, Spanbroek, Nederland ; Olbricht Collection, Berlijn ; Museum of Modern Art, New York. Momenteel woont en werkt hij in Suffolk, Verenigd Koninkrijk.


© Nicolas Trembley