Mark Hagen Nude Group Therapy

Mark Hagen: Nude Group Therapy

Almine Rech Gallery, Brussels

Almine Rech Gallery is pleased to present Nude Group Therapy, an exhibition of new paintings and sculpture by Los Angeles-based artist Mark Hagen. This is the artist’s fourth solo exhibition with the gallery, and his second at our Brussels space.

Nude Group Therapy takes its title from an entry in The Encyclopedia of World Problems and Human Potential, initiated in 1972 by the Union of International Associations, an NGO research institute based in Brussels, Belgium, which artfully, ambitiously and systematically attempts to catalog the woes of humanity as well as the means of alleviating them. Ever since 2016 Hagen has titled his paintings after entries from the volume devoted to “Human Potential, Transformation and Values” such as “Nude Group Therapy,” which reads in part as follows:

“Group nudity and its beneficial effects have been long accepted in traditions such as Nordic sauna... Such nudity is held to increase interpersonal transparency, remove inhibitions in the area of physical contact, decrease the sense of personal isolation and estrangement, and culminate in a feeling of freedom and belongingness. Nudity strips the individual of his ego pretensions and sometimes, of his ego defences.”^[1]

A possible step towards alleviating the toxic masculinity endemic in society, nude group therapy speaks to the potential for human beings to come together in a non-sexualized way, to accept and be accepted by others in turn, setting aside judgement and ego and clothes at the door. Hagen mines the encyclopedia for entries such as this that resonate with his work, in which he has consistently articulated an anti-hierarchical stance, borne out of his immersion in the worlds of punk rock and activism during his youth.

Greeting you as you enter the first gallery is Hagen’s newest screen sculpture, a tribute to Eileen Gray’s ‘brick screen’ made in Paris in 1921, whose lacquered wood units happen to be very close in size and shape to Apple’s titanium laptops from the early 2000s. Hagen stripped these obsolete computers down to their casings, which he then anodized in a DIY process using phosphoric acid from soft drinks and household electricity, imbuing the titanium with a brilliantly coloured patina. Titled ‘Homage to Sapphic Modernity,’ the work critically acknowledges Gray’s sexuality, counting her amongst the lesbian artists, writers and intellectuals—including Djuna Barnes, Radclyffe Hall and Gertrude Stein—who played a leading role in shaping modernism in Paris during the interwar period. Since the great war decimated the male population, it opened up new opportunities for women in every sector of society (including the arts) and with this increased influence and visibility came increased freedom and transparency in the expression of sexuality. Accordingly, it is not just to Eileen Gray that Hagen pays homage, but to the spirit of resistance to the hegemony of patriarchal hetero-normative society embodied by those emigré women in 1920s Paris, recognizing their dissident spirit as being integral to the emergence of modernity itself.^[2]

Hagen started making screen sculptures in 2010, and has described his screens as being “seen as much as seen-through, allowing and impairing vision, acting as a filter or lens that becomes visually entangled with other objects and viewers in the room.” That tension between revelation and concealment is symbolically heightened in this case by his use of eviscerated laptops, since computer screens could be said to both expand and limit our perspectival horizons at the same time. The boundaries of human perception are also a salient concern in relation to the alchemical process by which Hagen transmutes liquids like Crystal Pepsi and Diet Coke into a shocking array of hues. The intensity of the voltage applied to the liquid determines the thickness of the crystals that form on the titanium, determining the angle of refraction and the color you see. However, “the color you see” is also subject to your cultural, linguistic, and physiological predisposition, and even then, the range of colors perceptible to the human eye make up less than 1% of the electromagnetic spectrum, and thus the sculpture functions as a mimetic stand-in for the viewer, a memento mori of human limitations and biological presets.

Accompanying the screen in the front gallery is a body of new work made through Hagen’s established method of pressing paint through burlap, in which he subtly disrupts repetitious geometries through the use of cropping and the unpredictable quality of his reverse printing process. Passing from the front room to the rear, we witness an evolution in Hagen’s method as we encounter his new three-dimensional relief paintings. An elaboration and intensification of Hagen’s previous paintings, they are a simultaneous exploration of image and objecthood. They were inspired by the folded paper experiments conducted by Josef Albers at the Bauhaus and Black Mountain College, in which Albers famously asked his students to make artworks out of nothing but paper, challenging them to let the medium’s inherent characteristics shine through in the finished artwork. Hagen’s process begins with the creation of full-sized folded paper objects, which the artist painstakingly pleats into three dimensional patterns, although with intentional imperfections included in the form of small creases and crumples, which serve to highlight the material qualities of paper as per the Albers assignment. Silicone molds are then made of the paper sculptures, with the silicone picking up every minute detail in the form of the paper. Matte molding paste tinted with acrylic paint is then applied into the mold in numerous thin layers (in an automotive industry technique called “in-mold” painting), which once dried, is backed with fiberglass reinforced plastic. The painting is then pulled out of the mold and fitted with an aluminum mounting and cleat armature on the back.

Beyond drawing upon the legacy of Albers, the relief paintings invite comparison with the shaped canvases of Frank Stella and the monochrome works of Ellsworth Kelly or John McCracken. However, while those artists could all be characterized by their dedication to the consistent execution of an idea, Hagen makes a point of interrupting the visual logics of his own paintings by intervening with an asynchronous touch. Whether by cropping a geometric pattern to jar the eye, or by working subtle creases into his otherwise “perfect” monochrome reliefs, Hagen consistently breaks the mold by revealing the hand of the artist. By disrupting cyclical logics with linear escape vectors, his art expresses a deep faith in the human potential for radical social evolution; such as through nude group therapy, perhaps.

^[1]Union of International Associations, ed., The Encyclopedia of World Problems and Human Potential, volume 2, 4th edition (Munich: K.G. Saur Verlag GmbH & Co. KG: 1994) 67.

^[2]Jasmine Rault, Eileen Gray and the Design of Sapphic Modernity (Farnham: Ashgate Publishing, 2011) 4.

Mark Hagen, Nude Group Therapy

La Galerie Almine Rech est heureuse de présenter Nude Group Therapy, une exposition de nouvelles sculptures et peintures de Mark Hagen. Pour le titre de sa quatrième exposition avec la galerie, et la seconde à Bruxelles, l’artiste basé à Los Angeles s’inspire d’un article de « The Encyclopedia of World Problems and Human Potential » (L’Encyclopédie des Problèmes Mondiaux et du Potentiel Humain), fondée en 1972 par l’Union des Associations Internationales. Par ce travail, cet institut de recherche basé à Bruxelles tente, de manière astucieuse, ambitieuse et systématique, de cataloguer les maux de l’humanité ainsi que les moyens de les soulager. Depuis 2016, les titres que Mark Hagen donne à ses peintures trouvent toujours leur source dans des articles du volume de l’encyclopédie dédié aux « Transformations, valeurs et potentiels humains », tels que celui de « la nudo-thérapie de groupe » où l’on peut lire :

« La nudité collective et ses effets bénéfiques ont été acceptés depuis longtemps dans certaines traditions comme celle du sauna nordique. Une telle nudité serait apte à augmenter la transparence des relations avec les autres et soi-même, à lever les inhibitions liées au contact physique, à diminuer les sentiments d’isolement et d’aliénation personnels et finalement atteindre un sentiment de liberté et d’appartenance. La nudité dépouille l’individu des prétentions de son ego, et, de temps en temps, de ses défenses ». ^[1]

La « nudo-thérapie de groupe » pourrait contribuer à atténuer une forme de masculinité prédominante et endémique de la société. Cette étape permettrait aux êtres humains de se rassembler sans intention sexuelle, d’accepter et d’être acceptés par les autres en retour, de laisser jugement, ego et vêtements à la porte. Mark Hagen cherche dans cette encyclopédie des articles en résonance avec son travail, dans lequel il a toujours exposé des prises de positions antihiérarchiques, portées par son immersion dans les mondes activistes et punk rock de sa jeunesse.

Accueillant le spectateur dans la première salle de la galerie, la sculpture la plus récente de Mark Hagen est un hommage au « Paravent de brique » d’Eileen Gray, réalisé à Paris en 1921, dont la forme et la taille des éléments de bois laqué ressemblent de près aux ordinateurs portables en titane d’Apple des années 2000. Mark Hagen dénude ces ordinateurs obsolètes jusqu’aux boîtiers-mêmes, qu’il traite par oxydation anodique, un procédé ici conçu d’acide phosphorique de sodas et d’électricité, imprégnant ainsi le titane d’une couleur vive de platine. L’œuvre intitulée Homage to Sapphic Modernity (« Hommage à la modernité saphique ») salue le rôle crucial de l’orientation sexuelle d’Eileen Gray, la comptant parmi les artistes, les intellectuelles et les auteures homosexuelles - dont Djuna Barnes, Radclyffe Hall et Gertrude Stein - ayant eu un rôle décisif dans la construction du modernisme à Paris dans l’entre-deux-guerres. La Grande Guerre ayant décimé la population masculine, de nouvelles opportunités s’ouvrirent pour les femmes dans chaque secteur de la société, dont celui des arts. Cette influence et cette visibilité accrues amplifièrent la liberté et la transparence de l’expression de la sexualité. Par conséquent, ce n’est pas simplement à Eileen Gray que Hagen rend hommage ; il salue l’esprit de résistance à l’hégémonie hétéro-normative patriarcale, incarné par ces femmes émigrées dans le Paris des années 1920, en reliant l’émergence de la modernité elle-même à leurs esprits dissidents. ^[2]

Mark Hagen a initié ses sculptures d’écrans en 2010, et les a décrites comme étant : « tout aussi visibles que transparentes, permettant et altérant la vue, et fonctionnant comme un filtre ou une lentille visuellement indissociables des autres objets et spectateurs dans la pièce ». Cette tension entre révélation et dissimulation est ici intensifiée symboliquement par l’utilisation d’ordinateurs portables éviscérés, leurs écrans pouvant être considérés tant comme une limite que comme une expansion des perspectives de nos horizons. Les frontières de la perception humaine sont également omniprésentes dans le processus alchimique grâce auquel Mark Hagen transmute les liquides, tels que le Pepsi Max et le Coca-Cola light, en une palette de couleurs stupéfiantes. L’intensité du voltage appliqué au liquide détermine l’épaisseur des cristaux qui forment le titane, orientant l’angle de réfraction et la couleur que l’on peut voir. Cependant, la couleur « perçue » est aussi sujette à nos prédispositions culturelles, linguistiques et physiologiques ; en sachant toutefois que l’éventail de couleurs perceptibles par l’œil humain représente moins d’1% du spectre électromagnétique. La sculpture fonctionne donc comme une doublure mimétique pour celui qui la regarde, un memento mori des limitations humaines et des prédéterminations biologiques.

Le nouvel ensemble d’œuvres qui accompagne la sculpture située dans la première salle, suit la méthode établie de Hagen, qui presse traditionnellement la peinture à travers la toile de jute. Ainsi appliquée, la peinture perturbe avec subtilité les géométries répétitives de l’œuvre, grâce au recadrage et à la qualité imprévisible des procédés d’impression inversés créés par l’artiste. Dans la grande salle, les nouvelles peintures en trois dimensions témoignent de l’évolution de cette méthode. À la fois développement et intensification des peintures précédentes de Hagen, elles explorent simultanément l’œuvre en tant qu’image et objet. Elles s’inspirent des expérimentations en papiers pliés de Josef Albers au Bauhaus et au Black Mountain College. Albers y fit la demande, maintenant célèbre, à ses élèves, de créer des œuvres à partir de rien, si ce n’est du papier, les mettant ainsi au défi de laisser les caractéristiques inhérentes au médium révéler leur éclat à travers l’œuvre achevée. Le processus de Hagen débute avec la création d’objets en papier plié en taille réelle. L’artiste les fronce consciencieusement pour créer des motifs en trois dimensions. Ces motifs intentionnellement imparfaits prennent la forme de pliures et de froissements de petite taille, mettant ainsi en relief les qualités du papier en lui-même, selon la consigne d’Albers. Des moules en silicone sont ensuite créés à partir des sculptures de papier. Puis une pâte mate teintée de peinture acrylique est appliquée sur le moule, reprenant chaque infime détail de celui-ci en de nombreuses et fines couches - une technique issue de l’industrie automobile appelée la peinture « fond de moule ». Une fois sèche, celle-ci est soutenue par du plastique renforcé par une membrane de fibre de verre. La peinture est ensuite démoulée et une armature en aluminium est fixée au revers.

Par-delà l’héritage d’Albers, les peintures en relief rappellent aussi les toiles au format singulier de Frank Stella et les œuvres monochromes d’Ellsworth Kelly ou de John McCracken. Ces artistes ont en commun leur attachement à l’exécution cohérente d’une idée. Hagen, quant à lui, se fait fort d’interrompre les logiques visuelles de ses peintures en intervenant par contact asynchrone. Que cela soit en recadrant un motif géométrique afin de déstabiliser l’œil, ou en travaillant à des froissements subtils dans ses monochromes en relief qui semblent « parfaits », Hagen s’échappe constamment des sentiers battus en révélant son intervention manuelle. En perturbant des logiques cycliques avec des vecteurs de fuite linéaires, son art exprime une foi profonde dans le potentiel humain à impulser une évolution sociale radicale ; comme, peut-être, la « nudo-thérapie de groupe ».

David Willis

^[1]Traduit en français du texte original, Union of International Associations, The Encyclopedia of World Problems and Human Potential, volume 2, 4eme édition (Munich: K.G. Saur Verlag GmbH & Co. KG: 1994) 67.

^[2]Jasmine Rault, Eileen Gray and the Design of Sapphic Modernity (Farnham: Ashgate Publishing, 2011) 4.

Mark Hagen: Nude Group Therapy

Almine Rech Gallery, Brussel

Met genoegen stelt Almine Rech Gallery Nude Group Therapy voor, een tentoonstelling met nieuwe schilderijen en beeldhouwwerken van de in Los Angeles wonende kunstenaar Mark Hagen. Dit is de vierde solotentoonstelling van de kunstenaar in de galerie en zijn tweede in Brussel. De tentoonstelling Nude Group Therapy ontleent haar titel aan een vermelding in de Encyclopedia of World Problems and Human Potential, die in 1972 werd opgesteld door de Union of International Associations, een in Brussel gevestigd onderzoeksinstituut dat op kunstzinnige, ambitieuze en systematische wijze menselijke ellende in kaart brengt en zoekt naar middelen om die te verlichten. Sinds 2016 geeft Hagen zijn schilderijen titels naar secties uit het boekdeel  ‘Human Potential, Transformation and Values’ (Menselijk potentieel, transformatie en waarden), bijvoorbeeld ‘Nude Group Therapy’ (Naakte groepstherapie), dat onder andere vermeldt:

‘Naaktheid in groep en de gunstige effecten daarvan maken allang deel uit van tradities zoals de Scandinavische sauna ... Dergelijke naaktheid wordt gebruikt om de interpersoonlijke transparantie te verhogen, remmingen op het gebied van lichamelijk contact op te heffen en het gevoel van persoonlijk isolement en vervreemding te verminderen. Ze culmineert in een gevoel van vrijheid en verbondenheid. Door naaktheid wordt het individu ontdaan van zijn egopretentiesen soms zelfs van zijn egobeschermingsmechanisme.’^[1]

Naakte groepstherapie, als een mogelijke stap naar het verlichten van het toxische machismo dat onze samenleving verzuurt, richt zich op het potentieel van mensen om op een niet-geseksualiseerde manier bijeen te komen, om anderen te accepteren en geaccepteerd te worden, waarbij oordelen en ego's net als kleren in de vestibule worden achtergelaten. Hagen maakt gebruik van de encyclopedie, meer bepaald van de delen die verband houden met zijn eigen werk, waarbij hij consequent een antihiërarchische houding aanneemt die voortspringt uit zijn ervaringen in het domein van punkrock en activisme tijdens zijn jeugd.

Bij het binnentreden van de galerie stuit de bezoeker op de nieuwste schermsculptuur van Hagen, een eerbetoon aan het 'bakstenen scherm' dat Eileen Gray  in Parijs maakte, waarvan de gelakte houten segmenten min of meer hetzelfde formaat hebben als de uit titanium vervaardigde Apple-laptops uit de vroege jaren 2000. Hagen ontdeed deze verouderde computers van hun omhulsels en anodiseerde ze vervolgens eigenhandig met het fosforzuur van frisdranken, waardoor het titanium een briljant gekleurd patina kreeg. De titel van het werk, 'Homage to Sapphic Modernity', is een kritische erkenning van Grays seksuele geaardheid, want ze behoorde tot de lesbische kunstenaars, schrijvers en intellectuelen – onder anderen Djuna Barnes, Radclyffe Hall en Gertrude Stein – die een leidende rol speelden in het Parijse modernisme tijdens het interbellum. Aangezien door de Grote Ooorlog  de mannelijke bevolking gedecimeerd was, kregen vrouwen nieuwe kansen in alle sectoren van de samenleving (inclusief de kunsten). Samen met deze toegenomen invloed en zichtbaarheid ontstond ook meer vrijheid en transparantie in de uitdrukking van seksualiteit. Op die manier brengt Hagen niet alleen hulde aan Eileen Gray, maar ook aan de geest van verzet tegen de hegemonie van de patriarchale, heteronormatieve samenleving die wordt belichaamd door die ingeweken vrouwen in het Parijs van de jaren 1920, waarbij hun dissidente geest wordt erkend als een integraal onderdeel van de opkomende moderniteit zelf.^[2]

Hagen begon in 2010 met het maken van schermsculpturen. Hij stelt dat ze ‘net zo goed gezien als doorzien worden; ze laten het zicht toe en verstoren het ook, als een filter of lens die visueel verstrikt raakt in de andere objecten en toeschouwers in de ruimte’. De spanning tussen onthulling en verhulling wordt in dit geval symbolisch verhoogd door zijn gebruik van ontmantelde laptops, omdat computerschermen onze perspectivische horizonten tegelijk vergroten en beperken. De grenzen van de menselijke perceptie worden verder verkend via een  alchemistisch proces: Hagen zet vloeistoffen zoals Crystal Pepsi en Diet Coke om in een opvallende reeks kleurtinten. Hoe hoger de elektrische spanning waaraan de vloeistof wordt onderworpen, hoe dikker de kristallen die zich op het titanium vormen, wat bepalend is voor de kleur die je ziet. Maar ‘de kleur die je ziet’ is ook afhankelijk van de culturele, linguïstische en fysiologische aanleg van de toeschouwer, en zelfs dan beslaat het bereik van de kleuren die het menselijke oog kan waarnemen minder dan één procent van het elektromagnetische spectrum, hierdoor functioneert de sculptuur als een mimetische vervanger voor de kijker, een aandenken aan menselijke beperking en biologische conditionering.

Behalve het scherm wordt nog een hele reeks nieuwe werken gepresenteerd. Alle ontstonden op Hagens bekende manier: hij perst verf door jute, waardoor hij op subtiele wijze repetitieve geometrieën verstoort via cropping en de onvoorspelbare kwaliteit van het omgekeerde afdrukproces. Terwijl we van de voorkamer naar de achterste ruimte lopen, volgen we de evolutie in Hagens werkwijze via zijn nieuwe,  driedimensionale reliëfschilderijen. Deze verdere uitwerking en intensivering van Hagens vorige schilderijen vormteen gelijktijdige  verkenning van beeld en objectiviteit. De schilderijen zijn geïnspireerd op de experimenten met gevouwen papier die Josef Albers in het Bauhaus en in Black Mountain College uitvoerde: hij gaf zijn studenten de opdracht om kunstwerken te maken met uitsluitend papier en daagde hen uit om de inherente eigenschappen van het medium in het uiteindelijke kunstwerk te laten doorschemeren. Hagens creatieproces begint met het maken van gevouwen papieren objecten, die hij nauwgezet plooit in driedimensionale patronen, mét opzettelijke onvolkomenheden: die kleine plooien en kreuken dienen om de materiële kwaliteiten van het papier te benadrukken, in navolging van Albers’ richtlijnen. Van de papieren sculpturen worden dan siliconevormen gemaakt, waarbij elk miniem detail in de vorm van het papier in de silicone wordt overgenomen. Matte vormpasta, gekleurd met acrylverf, wordt vervolgens in talrijke dunne lagen in de mal aangebracht (een techniek uit de auto-industrie die in-mold-schilderen wordt genoemd) en wordt na het drogen op met glasvezel versterkt plastic gemonteerd. Het schilderij wordt vervolgens uit de vorm getrokken en voorzien van een aluminium kader met een steunarmatuur aan de achterzijde.

De reliëfschilderingen zijn niet alleen gebaseerd op de ideeën van Albers, maar doen ook denken aan de gevormde doeken van Frank Stella en de monochrome werken van Ellsworth Kelly en John McCracken. Hoewel deze kunstenaars de consistente uitvoering van een idee hoog in het vaandel dragen, probeert Hagen de visuele logica van zijn eigen schilderijen te doorbreken door het aanbrengen van een asynchrone toets. Of hij nu een geometrisch patroon bijsnijdt om het oog te verwarren, dan wel subtiele plooien in zijn anders ‘perfecte’ monochrome reliëfs verwerkt, steeds opnieuw breekt Hagen consequent de mal door de hand van de kunstenaar te tonen. Door het verstoren van de cyclische logica via lineaire vluchtvectoren drukt zijn kunst een diep vertrouwen uit in het menselijke potentieel voor radicale sociale evolutie – misschien via  naakte groepstherapie.

^[1]Union of International Associations, ed., The Encyclopedia of World Problems and Human Potential, volume 2, 4th edition (Munich: K.G. Saur Verlag GmbH & Co. KG: 1994) 67.

^[2]Jasmine Rault, Eileen Gray and the Design of Sapphic Modernity (Farnham: Ashgate Publishing, 2011) 4.