Open Edges: Erik Lindman & Robert Motherwell

Almine Rech Brussels is pleased to present 'Open Edges: Erik Lindman & Robert Motherwell', a duo show on view from March 11 to April 18, 2026.

For the length of the exhibition, the Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso will be loaning two works by Pablo Picasso, which will be on view and part of the show, grounding the dialogue in the European Modernism that informed Robert Motherwell and, subsequently, Erik Lindman.

More fundamental is the individual problem, the capacity of an artist to absorb the shocks of reality, whether coming from the internal or external world, and to reassert himself in the face of such shocks, as when a dog shakes off water after emerging from the sea.¹
— Robert Motherwell, 1944

Erik Lindman and Robert Motherwell are two artists who, though born seventy years apart, share an interest in using found materials to generate compositional decisions in their work. This can be traced back to their shared lodestar Picasso, and the collage technique he developed at the turn of the last century. This introduced aspects of the real world into the picture plane for the first time. In Picasso’s hands these found elements became devices to generate compositions, radically advancing the modernist project of complicating the problem of authorship. Picasso’s use of collage broadened the understanding of the artist as someone who imagines. The artist is reconceptualized as someone who ideates, selecting elements external to art so as, to paraphrase Sol LeWitt, act as machines that generated the art. For example, Picasso might incorporate the dot pattern of a piece of wallpaper, which might in turn give rise to a stippled passage of paint. These painted dots, abstract in themselves, can be understood as both referencing the pattern of the commercially produced wallpaper and the atomized dots of late 19th century pointillist painting. In this way Picasso was able to approach a form of meta-painting. In this mode elements of the world could be integrated that referred back to elements of painting’s history, even as they provided ways of expanding the painter’s toolbox, and what that toolbox was able to express.

Astute observers of the history of art, Lindman and Motherwell share this approach to painting. Both of them found that introducing elements from the world around them strengthened and pushed their studio activities forward. In their work found materials displace and delineate forms, suggesting how to establish a composition. For example, when Motherwell observed how a smaller canvas leaning against a larger one suggested the outline of a form, which, once traced, though seemingly slight was in fact strong enough to hold a monochrome field. This chance discovery inaugurated the Open series, one of his best known bodies of work, and the one featured in this exhibition.

Once the found form had sparked an idea for Motherwell, as with the leaning canvas in the case of the Opens, the painter was able to generate other compositions based on it. For Motherwell, the serendipitous experience became a blueprint for something that could then be returned to continually over the course of a career. As he put it in 1949, in a quotation Lindman has highlighted in a review of an exhibition of the elder artist’s prints at the New York Public Library: “I dislike painters who talk as though they were carpenters or some other kind of craftsman, who speak as though art is not a question of inspiration—of something in you that rises as simply, beautifully, and unpredictably as the flight of a bird.”² In this way, the importation of external material is not meant to be a distancing act. It is an alternate route to inspiration, one that holds onto both a classical idea of painterly intuition and the unpredictable nature of aesthetic experience.

Something similar happened for Lindman. He has described his admiration of the ease with which Motherwell worked, and Motherwell’s facility at arriving at new individual expressions within a series premised around a certain shared language, as with the Open series.³ Thus this pairing, triangulated through Picasso, demonstrates the ongoing relevance of artists looking outside of themselves for means by which to motivate the production of abstract works of art.

From the beginning of his career Lindman was drawn to the provocative shapes of materials he found around him in the streets of New York. As he has described it, with a clear resonance with how Motherwell arrived at his Opens, “seeking to distance myself from the label of being ‘that guy who makes paintings with found surfaces,’ I turned my objets trouvé over, painted them, and began to use their profile as a central element in large monochromatic fields. I referred to these as Blanks.”⁴ Appropriately, alongside examples from Motherwell’s Open series this exhibition surveys work by Lindman from the last decade. A carefully selected group of paintings exemplify both how materials made their way into Lindman’s work, and how the compositional lessons suggested by this importation continue to be generative.

This resonates with how, for Motherwell, collage was often a way of opening up new possibilities in painting. Since 1943, when he was invited by Peggy Guggenheim to produce his first collage for a show of the then still new medium at her famed gallery, Art of This Century, Motherwell found that collage provided a new way into picture making. Tearing paper was a way to draw without a pencil or pen, while the torn edge added a heightened sense of tension and even violence to the composition. The torn or broken edge is a source of inspiration for both artists, as in the jagged form that inspired Lindman’s Blanks. Because the exact nature of this tear was, while somewhat determined by the artist, and at the very least selected by them, is ultimately up to chance in terms of its full expression. Thus it is a way of introducing line and drawing without overly dragging the intention of the artist into it. Further, both artists often center the found element and build up their compositions from and around it, working from the center outwards, which is the classically Cubist approach to picture making.

Seeing these works by two artists of different generations alongside one another suggests how what art historian Yve-Alain Bois (following Erwin Panofsky) would call a shared genetic heritage. These artists generate seemingly similar visual styles, but in fact come from very different intellectual impulses, deploying their means towards divergent ends.⁵ Despite the affinity between their works, with his Open series Motherwell was trying to rejuvenate traditional models of picture making that resonate with the era in which they were made, the 1960s. He incorporated the economy of means suggested by the minimalism of the period, but used it to establish the kind of aesthetic surprise and depth of emotional resonance he had always prized for his work. While Lindman, active since the 2010s, is interested in how a painting can establish an archaeology of meaning that resonates with the endlessly networked condition of our times. Lindman asks us to look intensely and carefully, and in doing so unpack the painting haptically in the present tense of our encounter with it. Thus, a primary distinction that will be noticed by viewers of this exhibition is how Motherwell’s paintings submerge us in a charged field of feeling, while Lindman’s stimulate an investigatory impulse to parse and recombine what we are examining.

— Alex Bacon, Art historian, curator, and publisher

¹ Robert Motherwell, “The Modern Painter’s World” [1944] in Stephanie Terenzio, ed. The Collected Writings of Robert Motherwell (Berkeley: University of California Press, 1992), 27.
² Motherwell, “A Personal Expression” [1949] In The Collected Writings of Robert Motherwell, 58. As quoted in Erik Lindman, "Robert Motherwell: At Home and in the Studio,” exhibition review. The Brooklyn Rail (May 2025).
³ Lindman, unpublished text shared with the author.
⁴ Lindman, unpublished text.
⁵ Yve-Alain Bois, “On the Uses and Abuses of Look-alikes,” October 154 (Fall 2015): 127-149.

Almine Rech Bruxelles a le plaisir de présenter 'Open Edges : Erik Lindman & Robert Motherwell', une exposition en duo qui se déroula du 11 mars au 18 avril 2026.

Pour la durée de l’exposition, la Fundación Almine y Bernard Ruiz-Picasso prêtera deux œuvres de Pablo Picasso, qui seront présentées et intégrées à l’exposition, ancrant ainsi le dialogue dans le modernisme européen qui a influencé Robert Motherwell et, par la suite, Erik Lindman.

Plus fondamental encore est le problème individuel, la capacité d'un artiste à absorber les chocs de la réalité, qu'ils proviennent du monde intérieur ou extérieur, et à se réaffirmer face à ces chocs, comme un chien qui s'ébroue après être sorti de la mer.¹
— Robert Motherwell, 1944

Erik Lindman et Robert Motherwell sont deux artistes qui, bien que nés à soixante-dix ans d'intervalle, partagent un intérêt commun pour l'utilisation de matériaux trouvés pour générer des décisions compositionnelles dans leur travail. Cela remonte à leur référence commune, Picasso, et à la technique du collage qu'il a développée au début du siècle dernier. Celle-ci a introduit pour la première fois des aspects du monde réel dans le plan pictural. Entre les mains de Picasso, ces éléments trouvés sont devenus des dispositifs permettant de générer des compositions, faisant ainsi progresser de manière radicale le projet moderniste consistant à complexifier la question de la paternité artistique. L'utilisation du collage par Picasso a élargi la conception de l'artiste en tant que personne qui imagine. L'artiste est désormais considéré comme quelqu'un qui conceptualise, sélectionnant des éléments extérieurs à l'art afin, pour paraphraser Sol LeWitt, d'agir comme des machines générant l'art. Par exemple, Picasso pouvait incorporer le motif à pois d'un papier peint, ce qui pouvait à son tour donner naissance à un passage de peinture pointillé. Ces points peints, abstraits en eux-mêmes, peuvent être compris comme faisant référence à la fois au motif du papier peint produit commercialement et aux pois atomisés de la peinture pointilliste de la fin du XIXe siècle. De cette manière, Picasso a pu s'approcher d'une forme de méta-peinture. Dans ce mode, des éléments du monde pouvaient être intégrés qui renvoyaient à des éléments de l'histoire de la peinture, tout en offrant des moyens d'élargir la palette d'outils du peintre et ce que cette palette était capable d’exprimer.

Observateurs avisés de l'histoire de l'art, Lindman et Motherwell partagent cette approche de la peinture. Tous deux ont constaté que l'introduction d'éléments issus du monde qui les entoure renforçait et stimulait leurs activités en atelier. Dans leur travail, les matériaux trouvés déplacent et délimitent les formes, suggérant ainsi la manière d'établir une composition. Par exemple, lorsque Motherwell a observé comment une petite toile appuyée contre une plus grande suggérait le contour d'une forme qui, une fois tracée, bien que semblant légère, était en fait suffisamment forte pour soutenir un champ monochrome. Cette découverte fortuite a donné naissance à la série Open, l'une de ses œuvres les plus connues, et celle qui est présentée dans cette exposition.

Une fois que la forme trouvée avait suscité une idée à Motherwell, comme dans le cas de la toile inclinée dans les Opens, le peintre était capable de créer d'autres compositions à partir de celle-ci. Pour Motherwell, cette expérience fortuite est devenue un modèle auquel il pouvait revenir tout au long de sa carrière. Comme il l'a dit en 1949, dans une citation que Lindman a soulignée dans une critique d'exposition des gravures de l'artiste plus âgé à la New York Public Library : « Je n'aime pas les peintres qui parlent comme s'ils étaient des charpentiers ou d'autres types d'artisans, qui parlent comme si l'art n'est pas une question d’inspiration, de quelque chose en vous qui surgit aussi simplement, magnifiquement et de manière imprévisible que le vol d'un oiseau.»² De cette manière, l'importation de matériel externe n'est pas censée être un acte de distanciation. Il s'agit d'une voie alternative vers l'inspiration, qui s'accroche à la fois à l'idée classique de l'intuition du peintre et à la nature imprévisible de l'expérience esthétique.

Quelque chose de similaire s'est produit pour Lindman. Il a décrit son admiration pour la facilité avec laquelle Motherwell travaillait et pour son aptitude à trouver de nouvelles expressions individuelles au sein d'une série fondée sur un certain langage commun, comme dans la série Open³. Ainsi, ce duo, triangulé par Picasso, démontre la pertinence constante pour les artistes de chercher en dehors d'eux-mêmes les moyens de motiver la production d'œuvres d'art abstraites.

Dès le début de sa carrière, Lindman a été attiré par les formes provocantes des matériaux qu'il trouvait autour de lui dans les rues de New York. Comme il l'a décrit, en faisant clairement écho à la manière dont Motherwell est arrivé à ses Opens, « cherchant à m'éloigner de l'étiquette de « ce type qui fait des peintures avec des surfaces trouvées », j'ai retourné mes objets trouvés, je les ai peints et j'ai commencé à utiliser leur profil comme élément central dans de grands champs monochromes. Je les ai appelés Blanks.⁴ » À juste titre, parallèlement aux exemples tirés de la série Open de Motherwell, cette exposition passe en revue les œuvres de Lindman réalisées au cours de la dernière décennie. Un ensemble de peintures soigneusement sélectionnées illustre à la fois la manière dont les matériaux ont trouvé leur place dans le travail de Lindman et la façon dont les leçons de composition suggérées par cette importation continuent d'être génératrices.

Cela fait écho à la manière dont, pour Motherwell, le collage était souvent un moyen d'ouvrir de nouvelles possibilités dans la peinture. Depuis 1943, date à laquelle il fut invité par Peggy Guggenheim à réaliser son premier collage pour une exposition consacrée à ce médium alors encore nouveau dans sa célèbre galerie, Art of This Century, Motherwell découvrit que le collage offrait une nouvelle approche de la création picturale. Déchirer le papier était une façon de dessiner sans crayon ni stylo, tandis que le bord déchiré ajoutait un sentiment accru de tension, voire de violence, à la composition. Le bord déchiré ou cassé est une source d'inspiration pour les deux artistes, comme dans la forme irrégulière qui a inspiré Blanks de Lindman. En effet, si la nature exacte de cette déchirure était en quelque sorte déterminée par l'artiste, ou du moins choisie par lui, son expression finale dépendait finalement du hasard. C'est donc un moyen d'introduire des lignes et des dessins sans trop y faire intervenir l'intention de l'artiste. De plus, les deux artistes centrent souvent l'élément trouvé et construisent leurs compositions à partir de celui-ci et autour de celui-ci, en travaillant du centre vers l'extérieur, ce qui est l'approche cubiste classique de la création picturale.

Voir ces oeuvres de deux artistes de générations différentes, côte à côte, suggère ce que l'historien de l'art Yve-Alain Bois (à la suite d'Erwin Panofsky) appellerait un héritage génétique commun. Ces artistes produisent des styles visuels apparemment similaires, mais qui proviennent en réalité d'impulsions intellectuelles très différentes, déployant leurs moyens vers des fins divergentes.⁵ Malgré l'affinité entre leurs œuvres, Motherwell, avec sa série Open, cherchait à rajeunir les modèles traditionnels de création picturale qui résonnent avec l'époque à laquelle ils ont été réalisés, les années 1960. Il a intégré l'économie des moyens suggérée par le minimalisme de l'époque, mais l'a utilisée pour créer le genre de surprise esthétique et de profondeur de résonance émotionnelle qu'il a toujours apprécié dans son travail. Lindman, actif depuis les années 2010, s'intéresse quant à lui à la manière dont une peinture peut établir une archéologie du sens qui résonne avec la condition sans cesse connectée de notre époque. Lindman nous invite à regarder intensément et attentivement, et ce faisant, à déballer la peinture de manière haptique au présent de notre rencontre avec elle. Ainsi, une distinction fondamentale que remarqueront les visiteurs de cette exposition est la façon dont les peintures de Motherwell nous plongent dans un champ émotionnel chargé, tandis que celles de Lindman stimulent une impulsion d'investigation pour analyser et recombiner ce que nous examinons.

— Alex Bacon, Historien de l'art, conservateur et éditeur

¹ Robert Motherwell, “The Modern Painter’s World” [1944] dans Stephanie Terenzio, ed. The Collected Writings of Robert Motherwell (Berkeley: University of California Press, 1992), 27.
² Motherwell, “A Personal Expression” [1949] dans The Collected Writings of Robert Motherwell, 58. Cité dans Erik Lindman, "Robert Motherwell: At Home and in the Studio,” critique d’exposition. The Brooklyn Rail (mai 2025).
³ Lindman, texte non publié partagé avec l'auteur.
⁴ Lindman, texte non publié.
⁵ Yve-Alain Bois, “On the Uses and Abuses of Look-alikes,” octobre 154 (automne 2015): 127-149.

Almine Rech Brussel heeft het genoegen ‘Open Edges: Erik Lindman & Robert Motherwell’ te presenteren, een duotentoonstelling die plaatsvindt van 11 maart tot 18 april 2026.

Fundamenteler is het individuele probleem: het vermogen van een kunstenaar om de schokken van de werkelijkheid te absorberen – of die nu uit de binnenwereld of buitenwereld komen – en zich daarna opnieuw te herpakken, zoals een hond het water van zich afschudt nadat hij uit zee is gekomen.^[1]
—Robert Motherwell, 1944

Erik Lindman en Robert Motherwell zijn twee kunstenaars die, hoewel ze zeventig jaar na elkaar zijn geboren, een gedeelde interesse hebben in het gebruik van gevonden materialen om compositorische keuzes in hun werk te maken. Dit is terug te voeren op hun gezamenlijke inspiratiebron Picasso en de collagetechniek die hij aan het begin van de vorige eeuw ontwikkelde, waarmee voor het eerst aspecten van de echte wereld werden geïntroduceerd in het beeldvlak. In Picasso’s handen werden deze gevonden zaken een manier om composities te genereren, wat een radicale verdieping betekende van het modernistische project om de vraag ‘wie is de auteur?’ bewust te compliceren. Picasso’s gebruik van de collagetechniek verruimde het begrip van de kunstenaar, die voortaan werd opgevat als iemand die verbeeldt. De kunstenaar werd geherdefinieerd als iemand die ideeën ontwikkelt, die elementen van buiten de kunst selecteert en zo – om Sol LeWitt te parafraseren – fungeert als een machine die de kunst genereert. Zo kon Picasso bijvoorbeeld het stippenpatroon van een stuk behang gebruiken, dat op zijn beurt aanleiding gaf tot een geschilderd vlak met stippen. Deze geschilderde stippen, op zichzelf abstract, kunnen worden begrepen als verwijzing naar zowel het patroon van industrieel geproduceerd behang als de losse stipjes van de laat-negentiende-eeuwse pointillistische schilderkunst. Op die manier wist Picasso een vorm van meta-schilderkunst te benaderen. In deze werkwijze konden elementen uit de gewone wereld worden benut, die terugverwezen naar onderdelen uit de geschiedenis van de schilderkunst terwijl ze tegelijk nieuwe mogelijkheden boden om de gereedschapskist van de schilder uit te breiden – en daarmee wat die gereedschapskist kon uitdrukken.

Als scherpzinnige waarnemers van de kunstgeschiedenis delen Lindman en Motherwell deze benadering van schilderen. Beiden ontdekten dat het introduceren van elementen uit de wereld om hen heen hun kunstpraktijk versterkte en naar een hoger plan tilde. In hun werk spelen gevonden materialen een rol bij het verplaatsen en afbakenen van vormen, wat de opbouw van de compositie beïnvloedt. Toen Motherwell bijvoorbeeld opmerkte hoe een kleiner doek dat tegen een groter leunde de contour van een vorm leek aan te geven, bleek deze, eenmaal overgetrokken, onverwachts sterk genoeg om een monochroom vlak te dragen. Deze toevallige ontdekking luidde de Open-serie in, een van zijn bekendste series, in deze tentoonstelling te bezichtigen.

Zodra de gevonden vorm een idee bij Motherwell had opgeroepen, zoals het leunende doek in de Open-serie, kon de schilder daar andere composities op baseren. Voor Motherwell werd de serendipische ervaring een blauwdruk voor iets waar hij gedurende zijn hele carrière op kon terugvallen. Zoals hij het in 1949 formuleerde, in een citaat dat Lindman aanhaalde in zijn bespreking van een prentententoonstelling van de oudere kunstenaar in de New York Public Library: “Ik heb een hekel aan schilders die praten alsof ze timmerlieden of een ander soort ambachtsman zijn, die praten alsof kunst geen kwestie is van inspiratie, van iets in jezelf dat net zo eenvoudig, mooi en onvoorspelbaar oprijst als de vlucht van een vogel.”^[2] Zo bezien is het verwerken van materialen van buitenaf geen afstandelijke handeling. Het is een alternatieve route naar inspiratie, die zowel een klassiek idee van kunstenaarsintuïtie als de onvoorspelbare aard van de esthetische ervaring omarmt.

Iets soortgelijks gebeurde bij Lindman. Hij heeft uitdrukking gegeven aan zijn bewondering voor het gemak waarmee Motherwell werkte, en hoe moeiteloos hij nieuwe individuele uitingen wist te bereiken binnen een serie op basis van een bepaalde gedeelde taal, zoals de Open-serie.^[3] Zo bewijst dit tweetal, via een verbinding met Picasso, de blijvende relevantie van kunstenaars die buiten zichzelf zoeken naar manieren om de totstandkoming van abstracte kunstwerken te bevorderen.

Vanaf het begin van zijn carrière voelde Lindman zich aangetrokken tot de provocerende vormen van materialen die hij op straat in New York vond. In zijn eigen woorden, op een manier die duidelijk resoneert met hoe Motherwell tot zijn Opens kwam: “Ik probeerde afstand te nemen van het label van ‘die man die schilderijen maakt met gevonden dingen’. Daarom transformeerde ik mijn objets trouvés, beschilderde ze en begon hun profiel te gebruiken als het centrale element in grote monochrome vlakken. Ik noemde deze Blanks.”^[4] Passend bij dit idee presenteert deze tentoonstelling, naast voorbeelden uit de Open-serie van Motherwell, werken van Lindman uit het afgelopen decennium. Een zorgvuldig geselecteerde groep schilderijen toont hoe materialen hun weg vonden in het werk van Lindman, maar ook hoe de compositielessen die hij hieruit trok vrucht blijven dragen.

Dit sluit aan bij de wijze waarop Motherwell collagetechnieken gebruikte om tijdens het schilderen nieuwe mogelijkheden te creëren. Sinds 1943, toen hij door Peggy Guggenheim werd uitgenodigd om zijn eerste collage te maken voor een tentoonstelling met het toen nog jonge medium in haar beroemde galerie Art of This Century, ontdekte Motherwell dat deze techniek een nieuwe manier bood om beelden te maken. Het scheuren van papier was een methode om zonder potlood of pen te tekenen, terwijl een gescheurde rand een versterkt gevoel van spanning en zelfs een suggestie van geweld aan de compositie toevoegde. De gescheurde of gebroken rand is een inspiratiebron voor beide kunstenaars, zoals bij de gekartelde vorm die de Blanks van Lindman inspireerde. De precieze aard van deze scheur, hoewel deels door de kunstenaar bepaald en op zijn minst door hem geselecteerd, wordt immers door het toeval bepaald wat betreft de uiteindelijke expressie. Het is dus een manier om lijn en tekenvormen in te brengen zonder de intentie van de kunstenaar te dominant te maken. Verder plaatsen beide kunstenaars het gevonden element vaak in het centrum en bouwen ze hun composities van daaruit op en eromheen, werkend van het midden naar buiten, wat overeenkomt met de klassieke kubistische benadering van beeldopbouw.

Het naast elkaar zien van deze werken van twee kunstenaars van verschillende generaties suggereert een ‘gedeeld genetisch erfgoed’, in de woorden van kunsthistoricus Yve-Alain Bois (volgens Erwin Panofsky). Deze kunstenaars produceren schijnbaar vergelijkbare visuele stijlen, maar worden in feite geleid door zeer verschillende intellectuele impulsen en zetten hun middelen in voor uiteenlopende doeleinden.^[5] Ondanks de verwantschap tussen hun werken probeerde Motherwell traditionele modellen van beeldopbouw nieuw leven in te blazen met zijn Open-serie, aansluitend bij het tijdperk waarin ze werden gemaakt: de jaren 1960. Hij nam het zuinige gebruik van middelen zoals gesuggereerd door het minimalisme van die tijd over, maar gebruikte dit om de esthetische verrassing en diepgaande emotionele resonantie te bereiken die hij altijd als waardevol voor zijn werk had beschouwd. Lindman daarentegen, actief sinds de jaren 2010, is geïnteresseerd in hoe een schilderij een archeologie van betekenis kan opbouwen die resoneert met de voortdurende verbondenheid van onze tijd. Lindman nodigt ons uit om intens en aandachtig te kijken, en daarmee het schilderij tastbaar te ontleden in de tegenwoordige tijd van onze ontmoeting met het werk. Een van de belangrijkste verschillen die bezoekers van deze tentoonstelling zullen opmerken, is daarom dat de schilderijen van Motherwell ons onderdompelen in een geladen gevoelsveld, terwijl die van Lindman leiden tot een onderzoekende impuls om het onderzochte te ontleden en opnieuw samen te stellen.

— Alex Bacon, kunsthistoricus, conservator en uitgever

^[1]. Robert Motherwell, ‘The Modern Painter’s World’ [1944] in Stephanie Terenzio, red. The Collected Writings of Robert Motherwell (Berkeley: University of California Press, 1992), 27.

^[2]. Motherwell, ‘A Personal Expression’ [1949] In The Collected Writings of Robert Motherwell, 58. Zoals geciteerd in Erik Lindman, ‘Robert Motherwell: At Home and in the Studio,’ bespreking van tentoonstelling. The Brooklyn Rail (mei 2025).

^[3]. Lindman, met de auteur gedeelde niet-gepubliceerde tekst.

^[4]. Lindman, niet-gepubliceerde tekst.

^[5]. Yve-Alain Bois, ‘On the Uses and Abuses of Look-alikes,’ oktober 154 (herfst 2015): 127-149.