Minjung Kim The Pulse of Ink, Paper, and Fire

Almine Rech is pleased to present 'The Pulse of Ink, Paper, and Fire', the first solo exhibition in Brussels by Korean artist Minjung Kim, bringing together a broad selection of her defining series.

Born in Gwangju, South Korea, Kim trained in traditional Korean painting before continuing her studies in Milan, Italy, where she developed a distinctive visual language at the intersection of Eastern sensibility and Western abstraction. Now based between France and the United States, Kim has cultivated a unique body of work that extends the possibilities of hanji – traditional Korean mulberry paper – and has exhibited internationally for more than three decades.

Hanji lies at the heart of Kim’s practice and has become inseparable from her artistic identity. During her years in Milan, amid a shifting European art scene increasingly open to new media, she chose hanji as her own language. Over many years of practice, the material has evolved from medium to metaphor, serving as both vessel of memory and organic skin.

The traces of pigment, water, and fire impressed into its surface create a deep texture that evokes the physical imprints of time and process. Fragile yet resilient, hanji embodies the balance between contemplation and expression that defines Kim’s art and bridges her dual cultural sensibilities.

Kim’s work unfolds through a cyclical structure in which one painting gives birth to the next. Rather than following a predetermined plan, the artist allows each piece to emerge through the act of making itself. This intuitive rhythm creates organic connections across her series, shaping a practice sustained by repetition and renewal. Within this familiar process, she returns to the surface with the spirit of a new beginning, a continuity that transforms recurrence into discovery.

Kim describes her work as “the act of leaving traces of the time I have lived.”

Her creations can be understood as a way of visualising the process of life itself. Each surface is built through layers of cut, scorched, folded, and overlaid paper. This slow and deliberate act of accumulation extends far beyond a simple painterly gesture. It becomes a form of meditation where remembrance takes form and emotion endures as a subtle trace of lived experience. Each canvas becomes a field where marks emerge over time, evoking both the fluid drift of existence and its irretrievable passage.

Among her major series, Phasing most clearly conveys the artist’s essence and roots grounded in her lifelong practice of calligraphy. This body of work merges calligraphic gestures with the tactile nature of hanji, visualising a tension in which opposing forces – solidity and delicacy, control and release, permanence and change – coexist. Here, Kim’s distinctive method involves burning a thin sheet of paper to echo the traces of ink lines drawn in calligraphy, attaching them onto the surface, and mounting thicker paper behind. Through this process, she creates complex depths that hold both stillness and motion, vulnerability and endurance.

As Kim reflects, “Where we come from never changes.” Her work absorbs external influences while remaining anchored in its essential identity. Rather than seeking novelty for its own sake, she deepens what feels most authentic and resonant, strengthening it through years of sustained exploration. Through this enduring pursuit, her art emerges as an expression of quiet resilience – a meditation on continuity, balance and transformation. Each layer, each burn and fold records not only the passage of time but also a state of attentive calm. In this stillness, difference and duality coexist, revealing an art that speaks less of arrival than of becoming – a gradual unfolding that mirrors the rhythm of life itself.

— Sungyoon Ahn, Writer and Curator 

Almine Rech Bruxelles a le plaisir d’annoncer la deuxième exposition solo de Minjung Kim au sein de la galerie 'Minjung Kim: The Pulse of Ink, Paper, and Fire', présentée du 21 janvier au 7 mars 2026.

Née à Gwangju, en Corée du Sud, Kim a été formée en peinture traditionnelle coréenne avant de poursuivre ses études à Milan, en Italie, où elle a développé un langage visuel singulier, à la croisée de la sensibilité orientale et de l’abstraction occidentale. Aujourd’hui installée entre la France et les États-Unis, Kim a développé un corpus d’œuvres unique qui élargit les possibilités du hanji - papier traditionnel coréen à base de mûrier - et expose à l’internationale depuis plus de trente ans.

Le hanji se situe au coeur de la pratique de Kim et est devenu indissociable de son identité artistique. Pendant ses années à Milan, dans un paysage artistique européen en pleine mutation et de plus en plus ouvert aux nouveaux médiums, elle choisit le hanji comme langage personnel. Au fil de nombreuses années de pratique, ce matériau est passé de support à métaphore, devenant à la fois réceptacle de mémoire et de peau organique.
Les traces de pigment, d’eau et de feu imprimées à sa surface créent une texture profonde qui évoque les empreintes physiques du temps et du processus. Fragile mais résilient, le hanji incarne l’équilibre entre contemplation et expression qui définit l’art de Kim et relie ses sensibilités culturelles doubles.

Le travail de Kim se déploie à travers une structure cyclique dans laquelle une peinture en engendre une autre. Plutôt que de suivre un plan prédéterminé, l’artiste laisse chaque oeuvre émerger à travers l’acte de création lui-même. Ce rythme intuitif crée des liens organiques entre ses séries, façonnant une pratique soutenue par la répétition et le renouveau. Au sein de ce processus familier, elle revient à la surface avec l’esprit d’un nouveau début, une continuité qui transforme la récurrence en découverte.

Kim décrit son travail comme « l’acte de laisser des traces du temps que j’ai vécu ».

Ses créations peuvent être comprises comme une manière de visualiser le processus de la vie elle-même. Chaque surface est construite à partir de couches de papier découpé, brûlé, plié et superposé. Cet acte lent et délibéré d’accumulation va bien au-delà d’un simple geste pictural. Il devient une forme de méditation où le souvenir prend forme et où l’émotion perdure comme une trace subtile de l’expérience vécue. Chaque toile devient un champ où des marques émergent au fil du temps, évoquant à la fois la dérive fluide de l’existence et son passage irrémédiable.

Parmi ses séries majeures, Phasing traduit le plus clairement l’essence et les racines de l’artiste, ancrées dans sa pratique de la calligraphie qui l’accompagne tout au long de sa vie. Ce corpus d’oeuvres associe gestes calligraphiques avec la nature tactile du hanji, visualisant une tension dans laquelle forces opposées - solidité et délicatesse, contrôle et relâche, permanence et changement - coexistent. Ici, la méthode caractéristique de Kim consiste à brûler une fine feuille de papier pour faire écho aux lignes d’encre tracées en calligraphie, les fixant à la surface, et à monter un papier plus épais derrière. À travers ce processus, elle crée des profondeurs complexes qui détiennent à la fois immobilité et mouvement, vulnérabilité et endurance.

Comme dit Kim, « D’où nous venons ne change jamais ». Son travail absorbe des influences extérieures, tout en restant ancré dans son identité essentielle. Plutôt que de chercher la nouveauté pour elle-même, elle approfondit ce qui lui semble le plus authentique et le plus évocateur, le renforçant à travers des années d’exploration continue. À travers cette quête soutenue, son art apparaît comme une expression de résilience tranquille - une méditation sur la continuité, l’équilibre et la transformation. Chaque couche, chaque brûlure, et chaque pli enregistre non seulement le passage du temps mais aussi un état de calme attentif. Dans cette tranquillité, la différence et la dualité coexistent, révélant un art qui parle moins d’aboutissement que de devenir - un dévoilement progressif qui reflète le rythme de la vie elle-même.

— Sungyoon Ahn, conservateur et chercheur.

Almine Rech Brussel kondigt met veel plezier Minjung Kim’s tweede solotentoonstelling bij de galerie aan 'Minjung Kim: The Pulse of Ink, Paper, and Fire', te bezichtigen van 21 januari tot 7 maart 2026.

Kim, geboren in Gwangju in Zuid-Korea, volgde een opleiding in traditionele Koreaanse schilderkunst voordat ze haar studie voortzette in Milaan, Italië, waar ze een onderscheidende beeldtaal ontwikkelde op het kruispunt van oosterse gevoeligheid en westerse abstractie. Nu afwisselend woonachtig in Frankrijk en de Verenigde Staten heeft ze een uniek oeuvre opgebouwd dat de mogelijkheden van het traditionele Koreaanse moerbeipapier hanji vergroot. Ze exposeert al meer dan dertig jaar lang internationaal.

Hanji staat centraal in de werkwijze van Kim en is onlosmakelijk verbonden geraakt met haar artistieke identiteit. Tijdens haar jaren in Milaan, in een veranderende Europese kunstscene die zich steeds meer openstelde voor nieuwe media, koos ze hanji als haar eigen taal. Door de jaren heen heeft het materiaal zich ontwikkeld van medium tot metafoor, waarbij het als drager van herinneringen en als organische huid fungeert.
De sporen van pigment, water en vuur die in het hanji-oppervlak zijn geëtst, creëren een rijke textuur die de fysieke afdrukken van tijd en proces oproept. Fragiel maar veerkrachtig belichaamt hanji de balans tussen contemplatie en expressie die Kim’s kunst definieert en voortvloeit uit haar diepe kennis van twee culturen.

Kim’s werk ontvouwt zich in een cyclische structuur waarin het ene schilderij het volgende voortbrengt. In plaats van een vooraf bepaald plan te volgen, laat de kunstenaar elk werk ontstaan door de handeling van het maken zelf. Dit intuïtieve ritme schept organische verbindingen binnen haar serie en vormt een praktijk die wordt gedragen door herhaling en vernieuwing. Met dit vertrouwde proces keert ze terug naar de oppervlakte in de geest van een nieuw begin, een continuïteit die herhaling transformeert in ontdekking.

Kim beschrijft haar werk als “het achterlaten van sporen van de tijd die ik heb geleefd.”

Haar creaties kunnen worden begrepen als een manier om het proces van het leven zelf te visualiseren. Elk oppervlak wordt opgebouwd uit lagen gesneden, geschroeid, gevouwen en over elkaar gelegd papier. Die langzame, doelbewuste handeling van het op elkaar plaatsen is veel meer dan een eenvoudige schildershandeling. Het wordt een vorm van meditatie waarin herinnering gestalte krijgt en emotie voortduurt als een subtiele afdruk van geleefde ervaring. Elk doek wordt een veld waarin in de loop van de tijd sporen verschijnen, die zowel de vloeiende stroom van het bestaan oproepen als het onherroepelijk verstrijken ervan.

Onder haar belangrijkste series geeft Phasing het duidelijkst uitdrukking aan de essentie en oorsprong van de kunstenaar, geworteld in haar levenslange beoefening van kalligrafie. Dit oeuvre verenigt kalligrafische gebaren met het tactiele karakter van hanji en visualiseert een spanning waarin tegengestelde krachten – robuustheid en kwetsbaarheid, beheersing en loslaten, duurzaamheid en verandering – naast elkaar bestaan. De kenmerkende werkwijze van Kim bestaat hier uit het verbranden van dunne vellen papier als echo van de sporen van kalligrafische inktstreken, die ze bevestigt aan het oppervlak, waarna ze er dikker papier achter plaatst. Zo creëert ze gelaagde diepten die stilstand en beweging, kwetsbaarheid en volharding in zich bergen.

Kim heeft opgemerkt: “Waar we vandaan komen, verandert nooit.” Haar werk absorbeert invloeden van buitenaf en blijft tegelijkertijd verankerd in een essentiële identiteit. In plaats van vernieuwing omwille van de vernieuwing na te streven, verdiept ze wat voor haar het meest authentiek en resonerend voelt, dat ze versterkt door jaren van aanhoudende verkenning. Door dit voortdurend streven wordt haar kunst een uitdrukking van stille veerkracht, een meditatie over continuïteit, balans en transformatie. Elke laag, elke verbranding en elke vouw registreert niet alleen het verstrijken van de tijd, maar ook een toestand van aandachtige kalmte. In deze verstilling bestaan verschil en dualiteit naast elkaar en onthult zich een kunst die minder gaat over ‘aankomen’ dan over ‘worden’, een geleidelijk ontvouwen dat het ritme van het leven zelf weerspiegelt.

— Sungyoon Ahn, curator en onderzoeker.