Kenny Scharf Jungle Jungle Jungle

Almine Rech Brussels is pleased to present 'Jungle Jungle Jungle,' Kenny Scharf's fourth solo show with the gallery, on view from September 4 to October 25, 2025.

It's always best to start at the beginning

Kenny Scharf’s work first came to prominence in what’s known as The New York Downtown Scene. It can be argued that much of the most influential visual art and music of the last fifty or so years emerged from this movement. Artists such as Futura 2000, Rammellzee, Keith Haring, Jean Michel Basquiat, Jenny Holzer, Barbara Kruger, David Wojnarowicz, Martin Wong, and many, many others were linked to this nebulous group of creatives. These artists exhibited together, “partied hard” together as "Club Kids," and ultimately changed the face of popular culture. Kenny Scharf was a key member of this group. Some noteworthy and legendary exhibitions from this period include 'New York/New Wave' (1981) and 'The Times Square Show' (1980), as well as galleries such as 'The Fun Gallery' (1981–85) and 'Fashion Moda' (1978–93). There are clearly many stories to tell about this iconic moment in mid-1970s and early 1980s New York history. It is equally interesting to focus on what Scharf is doing now. His deep engagement with nature and ecology and his critique of consumerism has perhaps been overlooked. Scharf’s oeuvre is resolutely consistent. He has been painting and sculpting the same alternative universe for over fifty years. Today, Scharf-world is more refined and concentrated than ever. 

In many ways, Kenny Scharf was a Post-Internet Artist, before we knew what the Internet was. He has been depicting information overload, infinite remix culture, and warped-out cartoons forever. The inspiration for these images comes from a world that predates mass digital communication, mobile phones, Tik-Tok, and triple screening. Through some form of strange osmosis linked to 1950s and ‘60s science fiction, Scharf’s Pop-Mysticism seems to have predicted the atomized world we inhabit today, and also seems right at home here. If anything, the paintings still point the way to a technicolored intergalactic possible future. 

The new works for his Brussels exhibition combine Scharf’s archetypical combinations of organic forms and figures. Humans and nature merge with the man-made world. “Angular buildings and machines” evoke “The destructive forces of humanity.” The past, present, and future all exist in the picture plane. Scharf’s universe has been updated to contend with AI and machines with cognitive capabilities. The future is not how we imagined it would be. The paintings hint at this dystopia, but also leave it behind. In the same way Dorothy left Kansas, Scharf’s parallel reality is a visual whirlwind we are invited to step into. The process of making the paintings is instinctive and well-practiced. A ritual the artist has spent a lifetime perfecting. The images begin life as backgrounds. Moods. Environments. The fun begins. Oil paint. Acrylic. Spray-paint. Silkscreens. Music in the studio sets the rhythm and pace of production. The music is in the painting. The “freedom and flow” is in the painting. The colors in the work represent ambience and create tension. If the work is monochrome, grey, it’s to focus the eye on the image and brushwork. For Scharf, “Colors are emotions.” This is why the paintings often feature complimentary colors. “Putting opposites together. Yellow and purple. Red and green. Orange and blue. Black and white.” Optical dissonance has always fascinated the artist: “I remember when I was a kid and the arrival of the color television. When no one was looking, I was not watching what was on the TV, I was staring, literally, an inch away from the screen. Watching this crazy psychedelic light show of colors. That’s the saturation that I love.”

The new body of paintings has been produced at a slower tempo. The work has had time to grow organically, with each painting taking up to two months to make. The exhibition includes works from the ongoing series Scharf calls Jungle Paintings. These anthropomorphic explosions of interweaving branches and foliage read like details from Hieronymus Bosch’s Garden of Earthly Delights (1503–15) put through a Candy Crush filter. “You start with nothing. Then it literally grows, like a jungle. The trees, then the leaves, then the vines, then the insects. It goes on and on. The way a gardener will start with some dirt, and the plants start to do things. I start, and then the painting tells me where to go.” The symbolism of the trees in these works is as much art-historical as spiritual. The trees represent eternity. Protection. Nature. Mother Earth. The world we need to protect. Scharf’s trees are also bound to icons of popular culture. The talking apple trees in the 1939 film, The Wizard of Oz, are a clear reference point. The multi-layered iconography and complex ideological narratives in The Wizard of Oz are a perfect spectrum through which to view Scharf’s work. Like many people who grew up in the 1950s, the film had a profound effect on Scharf as a child, and remains his favorite film to this day.

The optimism of growing up in Los Angeles’ San Fernando Valley also influenced Scharf’s work and world view. The Hanna-Barbera aesthetics of the space race permeated his landscapes and graphic motifs. “I thought space is so fun! I thought, when I grow up, in 1984, you’ll just be able to buy a ticket and get on a rocket and go to the moon. You’ll dance around the moon, weightless. It’s going to be so fun.” Another nod to failed utopias in Scharf’s painting are the silkscreened texts and words, often refencing global warming, deforestation, plastic consumption, and micro plastics, subjects Scharf has been obsessed about his whole life. These prophetic words and phrases are cyphered from newspaper articles and magazines. “The real world.” 

In the end, Kenny Scharf is an artist, making art in a world of polycrisis. It is in times of multiple uncertainties that we need artists more than ever. We need visionaries to pull apart the norms and ideas we are used to. We need artists to open our eyes and challenge perceived notions. We need artists to remind us to always pay attention to the man behind the curtain.

— Cedar Lewisohn, writer, artist and curator.

Almine Rech Bruxelles a le plaisir de présenter  'Jungle Jungle Jungle', la quatrième exposition personnelle de Kenny Scharf à la galerie, du 4 septembre au 25 octobre 2025 .

Il est toujours préférable de commencer par le début

Le travail de Kenny Scharf s'est d'abord fait connaître dans ce que l'on appelle la « New York Downtown Scene » (scène du centre-ville de New York). On pourrait affirmer qu'une grande partie des arts plastiques et de la musique les plus influents des cinquante dernières années sont issus de ce mouvement. Des artistes tels que Futura 2000, Rammellzee, Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, Jenny Holzer, Barbara Kruger, David Wojnarowicz, Martin Wong et bien d'autres encore étaient liés à ce groupe nébuleux de créateurs. Ces artistes exposaient ensemble, sortaient souvent ensemble dans les boîtes de nuits, et ont transformé la culture populaire. Kenny Scharf était un membre clé de ce groupe. Parmi les expositions notoires et légendaires de cette époque, on compte 'New York/New Wave' (1981) et 'The Times Square Show' (1980), ainsi que des galeries telles que 'The Fun Gallery' (1981-1985) et 'Fashion Moda' (1978-1993). Il y a, bien sûr, de nombreuses anecdotes à raconter concernant ce moment emblématique de l'histoire de New York du milieu des années 1970 et début des années 1980. Mais il est tout aussi intéressant de se pencher sur ce que Scharf fait de nos jours. Son fort engagement envers la nature et l'écologie et sa critique du consumérisme n'ont peut-être pas été très remarqués. L'œuvre de Scharf est résolument constante. Il a peint et sculpté le même univers alternatif depuis plus de cinquante ans. Aujourd'hui, le monde Scharf est plus précis et concentré que jamais. 

De bien des façons, Kenny Scharf était un artiste post-Internet, avant même que nous ne sachions ce qu'était l'Internet. Depuis toujours, il représente la surcharge d'informations, la culture du remix infini et les dessins animés déformés. Ces images s'inspirent d'un monde antérieur à la communication numérique de masse, aux téléphones portables, à Tik-Tok et aux triples écrans. Par une étrange osmose liée à la science-fiction des années 1950 et 1960, le mysticisme pop de Scharf semble avoir prédit le monde atomisé dans lequel nous vivons aujourd'hui, et semble également être à sa place ici. Tout au moins, les peintures continuent d'indiquer la voie vers un avenir intergalactique possible en technicolor. 

Les nouveaux tableaux pour son exposition à Bruxelles regroupent les ensembles archétypiques des formes organiques et des figures de Scharf. Les humains et la nature se confondent avec le monde construit par l'homme.  « Les bâtiments anguleux et les machines » évoquent « l es forces destructives de l'humanité » . Le passé, le présent et le futur coexistent au sein de l'image. L'univers de Scharf a été mis à jour pour faire face à l'IA et aux machines à capacité cognitive. Le futur ne ressemble pas à ce que nous imaginions. Les peintures font allusion à cette dystopie, mais la laissent également de côté. Tout comme Dorothé avait quitté le Kansas, le monde parallèle de Scharf est un tourbillon visuel dans lequel nous sommes invités à entrer. Le procédé de création des peintures est instinctif et bien pratiqué. Un rituel que l'artiste a passé sa vieperfectionner. Les images commencent leur vie en tant que fonds. Des atmosphères. Des environnements. Et puis ça commence. Peinture à l'huile. Acrylique. Peinture aérosol. Sérigraphies. La musique dans l'atelier donne le rythme et la cadence pour la production. La musique est dans la peinture. « La liberté et le mouvement » sont dans la peinture. Les couleurs de l'œuvre représentent l'ambiance et créer une tension. Si elle est monochrome, grise, c'est pour focaliser le regard sur l'image et le coup de pinceau. Pour Scharf, « Les couleurs sont les émotions » . C'est pourquoi les tableaux comprennent souvent des couleurs complémentaires. « Mettre les opposés ensemble. Jaune et violet. Rouge et vert. Orange et bleu. Noir et blanc. » 

La dissonance optique a toujours fasciné l'artiste : « je me souviens, enfant, de l'arrivée de la télévision couleur. Quand personne n'était là, je ne regardais pas ce qui était à la télé, je regardais l'écran, littéralement, en me tenant à deux ou trois centimètre. J'observais cet incroyable spectacle psychédélique de couleurs. C'est le type de saturation que j'adore. »

Le nouvel ensemble d'œuvres a été produit à un rythme plus lent. Le travail a eu le temps d'évoluer de manière organique, la création de chaque peinture prenant jusqu'à deux mois. L'exposition comprend des tableaux de la sér ie en cours que Scharf appelle « Jungle Paintings » (peintures de jungle). Ces explosions anthropomorphiques de branches et de feuilles qui s'entrelacent se lisent comme des détails du Jardin des Délices de Jérôme Bosch (1503-1515) enrobés de sucre. « On part de rien. Et puis ça grandit, comme une jungle. Les arbres, puis les feuilles, puis les lianes, puis les insectes. Et ça continue, encore et encore. Comme un jardinier qui commence avec de la terre, et les plantes commencent à faire quelque chose. Je commence, et ensuite la peinture me dit où aller. » Le symbolisme de ces arbres dans les œu vres relève autant de l'histoire de l'art que de la spiritualité. Les arbres représ entent l'ét ernité. Protection. La terre. Mèr e Nature. Le monde que nous devons protéger. Les arbres de Scharf sont aussi liés à des icôn es de la culture populaire. Les pommiers qui parlent dans le film de 1939, Le Magicien d'Oz, sont une référence évidente. L'iconographie multiple et les récits idéologiques complexes du film offrent le prisme parfait à travers lequel on peut observer le travail de Scharf. Le film a fait grande impression sur Scharf quand il était enfant, comme sur beaucoup de personnes ayant grandi dans les années 1950, et reste son film préféré à ce jour.

L'optimisme lié à une enfance passée dans la vallée de San Fernando à Los Angeles a ég alement influencé l'œu vre de Scharf et son regard sur le monde. L'esthét ique Hanna-Barbera de la course à l'espace se ressent dans ses paysages et dans ses graphismes. « Je me disais, "L'espace s'est super !" Je pensais que, quand je serais grand, en 1984, on pourrait tout simplement acheter un billet et monter dans une fusée pour aller sur la lune. On dansera sur la lune, sans pesanteur. On allait bien s'amuser. » Autre clin d'œil aux utopies échouée s au sein des peintures de Scharf, les textes et les mots sér igraphiés , faisant souvent réf ér ence au réc hauffement climatique, à la déf orestation, à la consommation plastique et aux microplastiques, des sujets qui ont obsédé Scharf tout au long de sa vie. Ces mots et ces phrases prophét iques sont éc rits tels des codes, extraits d'articles de journaux et de magazines. « Le monde réel. »

En somme, Kenny Scharf est un artiste faisant de l'art dans un monde de multicrises. C'est en temps d'incertitude plurielle que nous avons besoin d'artistes plus que jamais. Nous avons besoin de visionnaires pour déconstruire les normes et les idées auxquelles nous sommes habitués. Nous avons besoin d'artistes pour nous ouvrir les yeux et remettre en cause les idées reçues. Nous avons besoin d'artistes pour nous rappeler de toujours prêter attention à la personne qui se cache derrière le rideau.

— Cedar Lewisohn, écrivain, artiste et commissaire d'exposition.

Almine Rech Brussels presenteert  'Jungle Jungle Jungle', Kenny Scharf's vierde solotentoonstelling bij de galerij, te zien van 4 september tot 25 oktober 2025.

Het is altijd het beste om bij het begin te beginnen

Het werk van Kenny Scharf trok voor het eerst aandacht in wat bekendstaat als The New York Downtown Scene. Er kan worden betoogd dat veel van de meest invloedrijke beeldende kunst en muziek van pakweg de afgelopen vijftig uit deze beweging is voortgekomen. Kunstenaars zoals Futura 2000, Rammellzee, Keith Haring, Jean Michel Basquiat, Jenny Holzer, Barbara Kruger, David Wojnarowicz, Martin Wong en vele, vele anderen werden in verband gebracht met deze ongrijpbare groep kunstenaars. Deze makers exposeerden samen, feestten uitbundig als ‘Club Kids’ en hadden uiteindelijk een blijvende impact op de populaire cultuur. Kenny Scharf was een belangrijk lid van deze groep. Enkele opmerkelijke en legendarische tentoonstellingen uit deze periode zijn ‘New York/New Wave’ (1981) en ‘The Times Square Show’ (1980). Al even opmerkelijk waren galerieën als 'The Fun Gallery' (1981-1985) en 'Fashion Moda' (1978-19983). Er zijn uiteraard veel verhalen te vertellen over deze iconische periode in de geschiedenis van New York halverwege de jaren 70 en begin jaren 80. Het is evengoed interessant om te kijken naar wat de kunstenaar nu doet. Zijn diepe betrokkenheid bij de natuur en ecologie en zijn kritiek op het consumentisme zijn wellicht over het hoofd gezien. Scharfs oeuvre is resoluut consistent. Hij schildert en beeldhouwt al meer dan vijftig jaar hetzelfde alternatieve universum. Tegenwoordig is de wereld van Scharf verfijnder en geconcentreerder dan ooit. 

Op veel manieren was Kenny Scharf een post-internetkunstenaar, zelfs voordat we wisten wat het internet was. Hij is altijd bezig geweest met het uitbeelden van informatiebombardementen, oneindige remixcultuur en verwrongen cartoons. De inspiratie voor deze beelden is afkomstig uit een wereld die eerder bestond dan massale digitale communicatie, mobiele telefoons, TikTok en multitasken met meerdere schermen. Door een soort vreemde osmose die is verbonden met sciencefiction uit de jaren 50 en 60, lijkt Scharfs popcultuur-mystiek de gefragmenteerde wereld van nu te hebben voorspeld. Zijn werk lijkt hier ook helemaal op zijn plaats. Sterker nog, zijn schilderijen wijzen nog steeds de weg naar een mogelijke intergalactische toekomst in technicolor.

De nieuwe werken voor zijn Brusselse tentoonstelling bevatten Scharfs archetypische combinaties van organische vormen en figuren. Mensen en natuur versmelten met de door mensen gemaakte wereld. ‘Hoekige gebouwen en machines’ doen denken aan ‘De destructieve krachten van de mensheid’. Het verleden, het heden en de toekomst zijn allemaal in het beeldvlak aanwezig. Scharfs universum is geüpdatet om het hoofd te bieden aan AI en machines met cognitieve vermogens. De toekomst is niet hoe we ons die hadden voorgesteld. De schilderijen laten deze dystopie doorschemeren, maar laten haar ook achter zich. Zoals Dorothy in The Wizard of Oz vertrok uit Kansas, is Scharfs parallelle werkelijkheid een visuele wervelwind die we mogen binnenstappen. Het proces dat Scharf uitvoert om de schilderijen te maken, is instinctief en vaak uitgevoerd. Het is een ritueel dat de kunstenaar zijn leven lang heeft verfijnd. De beelden beginnen als achtergronden. Stemmingen. Omgevingen. De pret begint. Olieverf. Acryl. Spuitverf. Zeefdrukken. Muziek in de studio bepaalt het ritme en tempo van de productie. De muziek zit in het schilderij. De ‘freedom and flow’ zit in het schilderij. De kleuren in het werk geven de sfeer weer en roepen spanning op. Als het werk monochroom is, in grijstinten, dient dat om de blik te richten op het beeld en de penseelvoering. Scharf zegt: “Kleuren zijn emoties.”

Daarom bevatten de schilderijen vaak complementaire kleuren. “Ik breng tegengestelde kleuren samen. Geel en paars. Rood en groen. Oranje en blauw. Zwart en wit.” Visuele dissonantie heeft de kunstenaar altijd gefascineerd. “Als kind maakte ik de komst van de kleurentelevisie mee. Als er niemand op me lette, keek ik niet naar wat er op tv was, ik staarde ernaar, letterlijk een paar centimeter van het scherm af. Kijkend naar die waanzinnige psychedelische lichtshow van kleuren. Die verzadiging, daar hou ik van.”

De nieuwe serie schilderijen is in een langzamer tempo gemaakt. Het werk heeft de tijd gehad om organisch te groeien, waarbij elk schilderij tot wel twee maanden in beslag nam. De tentoonstelling bevat werken uit de lopende serie die Scharf ‘Jungle Paintings’ noemt. Deze antropomorfe explosies van in elkaar gevlochten takken en bladeren doen denken aan details uit De tuin der lusten (1503-1515) van Jheronimus Bosch, gezien door een Candy Crush-filter. “Je begint met niets. Dan begint het letterlijk te groeien, als een jungle. De bomen, dan de bladeren, dan de ranken, dan de insecten. Het gaat maar door. Zoals een tuinier begint met wat grond, waarna de planten van alles gaan doen. Ik begin, en het schilderij vertelt me waar ik naartoe moet.” De symboliek van de bomen in deze werken is even kunsthistorisch als spiritueel. De bomen staan voor de eeuwigheid. Bescherming. Natuur. Moeder Aarde. De wereld die we moeten beschermen. Scharfs bomen zijn ook verbonden met iconen uit de populaire cultuur. De pratende appelbomen in de film The Wizard of Oz uit 1939 vormen een duidelijk referentiepunt. De gelaagde iconografie en complexe ideologische narratieven in The Wizard of Oz zijn de perfecte bril om naar Scharfs werk te kijken. De film maakte een diepe indruk op Scharf als kind, zoals geldt voor veel mensen die zijn opgegroeid in de jaren 1950, en is tot op heden zijn favoriete film.

Ook het optimisme dat gepaard gaat met een jeugd in San Fernando Valley, Los Angeles, heeft invloed gehad op Scharfs werk en wereldbeeld. De Hanna-Barbera-esthetiek van de ruimte sijpelt door in zijn landschappen en grafische motieven. “Ik dacht: de ruimte is zo leuk! Ik dacht, als ik later groot ben, in 1984, kan iedereen gewoon een kaartje kopen en in een raket stappen en naar de maan gaan. En om de maan zweven, gewichtloos. Dat leek me zo leuk.” Een andere knipoog naar mislukte utopia’s in Scharfs schilderij zijn de gezeefdrukte teksten en woorden, vaak verwijzend naar de opwarming van de aarde, ontbossing, plasticverbruik en microplastics, onderwerpen waar Scharf al zijn hele leven geobsedeerd door is. Deze profetische woorden en zinnen, ontleend aan krantenartikelen en tijdschriften, zijn op gecodeerde wijze geïntegreerd in Scharfs werk. “De echte wereld.” 

Uiteindelijk is Kenny Scharf een kunstenaar, die kunst maakt in een wereld van polycrisis. In tijden van meerdere onzekerheden hebben we kunstenaars meer nodig dan ooit. We hebben visionairs nodig om de gangbare normen en ideeën open te breken. We hebben kunstenaars nodig om onze ogen te openen en gevestigde opvattingen uit te dagen. We hebben kunstenaars nodig om ons eraan te herinneren dat we altijd moeten blijven letten op de man achter het gordijn.

— Cedar Lewisohn, schrijver, kunstenaar en curator.