ENGAGÉES

Long ignored and denied recognition, women artists were dominated by patriarchal societies and eclipsed in art history. It wasn't until the social movements and feminist struggles of the 1960s that they gained visibility, not only as artists but also as women. This legacy had a profound impact on the artists of the time and on subsequent generations, paving the way for greater consideration of their demands and their art. In 2025, the Villa Datris Foundation invites you to discover the work of 64 committed artists from all over the world, exhibiting works that question major contemporary issues. Feminists, ecofeminists, human rights defenders, anti-racism campaigners and proponents of the freedom to control their own bodies, the artists chosen are involved in struggles that are still essential today. The exhibition highlights the invisibility of women and the persistence of their struggles, reminding us how crucial it is to preserve the rights they have acquired. ENGAGÉES' also aims to raise awareness of the many battles still to be fought.

Embryonising the fight!

Since the Renaissance, the path leading women to practise the arts and gain access to official recognition has been fraught with pitfalls. Under the Ancien Régime, the Royal Academy refused to allow them to study nude anatomy, a prerequisite for competing in historical painting. In response, competing academies opened in Paris.
After the Revolution, they were able to compete for the Prix de Rome, compete in historical painting, exhibit at the Salon and enter state collections.

While the 19th century was quick to pit the sexes against each other and relegate female artists to the status of housewives, the very seeds of the notion of the avant-garde animated their state of mind. This desire for independence was reflected in the desire to distance themselves from the studio master with whom they trained.

Engaging the body, liberating speech

As the continent and its institutions were rebuilt in the aftermath of the Second World War, the women of the 1960s and 1970s became aware of their femininity in a shocking way. In the United States and Europe, feminism blossomed against a backdrop of frustration and fear. Women got involved when it came to questioning gender distinctions, which continued to be a fundamental category of our cultural system.

A site of subjugation since the dawn of time, language has become an art form for the “engaged”, an art form that induces action: words are plastered all over the place as much as they are published in secrecy. Whether the aim is to make a statement or to achieve the desired goal, language aims to deconstruct stereotypes, bring together multiple identities, address gender inequality and denounce power structures...

Committed, engaged, enraged

These pioneering activists are appropriating and transforming techniques that are said to be specific to women according to a ‘natural order’. They dismantled the stereotype of ‘biological necessity’, weaving and knitting on such a scale that monumentality prevailed and fibre took on the powers of sculpture.

In retrospect, textile art embodies a profound, even existential liberation for artists who feel: committed (militant), engaged (married) and enraged (activist). This trilogy continued in subsequent generations, who responded to the issues of their times, with the incredulous question formulated by Linda Nochlin in 1971 in her essay: Why haven't there been any great women artists?

Visual activism, social activism

The result is a permeability of means of expression, a decompartmentalisation of mediums and sources. No longer just a model, muse and subject of the arts, women are reclaiming their bodies through performance. Skin, sensuality and sexuality span the historic years of happening. By joining forces with the image, performance contributes to the visual and social activism of art against violence.

Resisting, imagining

In the 1990s, artists turned their attention from political issues to ethical ones. Afro-American, Indian and African artists from North to South were interested in the convergences of the colonialist legacy. They are reopening the issue of history and places of memory, and reclaiming their visibility.

Through myth, ecofeminists are committed to protecting ecosystems and defending minorities. Through reparative cartographies and utopian architectures, art is taking the path of denouncing forms of mistreatment of living things and celebrating their astonishing resilience.

Exhibition curators: Danièle Marcovici and Stéphane Baumet

Longtemps ignorées et privées de reconnaissance, les femmes artistes ont été dominées par des sociétés patriarcales et éclipsées de l'histoire de l'art. Il faudra attendre les mouvements sociaux et les luttes féministes des années 60 pour qu'elles gagnent en visibilité en tant qu'artistes mais aussi en tant que femmes. Cet héritage a profondément marqué les artistes d'alors et celles des générations suivantes, ouvrant la voie à une meilleure considération de leurs revendications et de leur art. En 2025, la Fondation Villa Datris invite à découvrir le travail de 64 artistes engagées venues du monde entier en exposant des œuvres qui interrogent les grands enjeux contemporains. Féministes, écoféministes, défenseuses des droits humains, militantes contre le racisme et proclamant la liberté de disposer de leur corps, les artistes choisies investissent des luttes toujours essentielles. L'exposition met en lumière l'invisibilisation des femmes et la persistance de leurs combats rappelant combien il est crucial de préserver les droits acquis. 'ENGAGÉES' souhaite également éveiller les consciences là où de nombreux combats restent à mener.

Embryoner la lutte !

Depuis la Renaissance, le chemin qui conduit les femmes à pratiquer les arts et à accéder aux réseaux de reconnaissance officielle s'apparente à un parcours semé d'embûches. Sous l'Ancien régime, l'Académie royale leur refuse l'étude de l'anatomie d'après le nu, connaissance obligatoire pour se mesurer à la peinture d'histoire. En réponse, des académies concurrentes s'ouvrent à Paris.
Après la Révolution, elles peuvent désormais concourir au prix de Rome, se mesurer à la peinture d'histoire, exposer au Salon et entrer dans les collections d'Etat.

Alors que le XIX^e siècle est prompt à opposer les sexes et reléguer les artistes citoyennes au statut de mère au foyer, le germe même de la notion d'avant-garde anime leur état d'esprit. Ce souhait d'indépendance se traduit par la volonté de se démarquer du maître d'atelier chez qui elles se forment.

Engager le corps, libérer la parole

Sur la reconstruction d'un continent et de ses institutions au lendemain de la Seconde guerre mondiale, les femmes des années 1960-1970 prennent conscience de leur féminité comme un électrochoc. Aux États-Unis et en Europe, le féminisme éclot sur un lit de frustrations et de peurs. Les femmes s'engagent quand il s'agit de remettre en cause les distinctions de genre, qui continuent d'être une catégorie fondamentale de notre système culturel.

Lieu d'asservissement depuis la nuit des temps, le langage savère chez les «engagées» une forme d'art qui induit l'action: on placarde les mots en grand autant qu'on édite dans la confidentialité. Qu'il s'agisse de constater ou d'atteindre le but escompté, le langage vise à déconstruire les stréotypes, à rassembler les identités multiples, à aborder l'inégalité entre les sexes et dénoncer les structures du pouvoir...

Engagées, engaged, enragées

Les militantes de la première heure s'approprient et transforment des techniques qui sont celles que l'on dit propres aux femmes selon « un ordre naturel ». Elles démontent le stéréotype de la « nécessité biologique », en tissant, en tricotant, à des échelles telles, que la monumentalité l'emporte et que la fibre s'arroge les pouvoirs de la sculpture.

Rétrospectivement, l'art textile incarne une libération profonde, voire existentielle, d'artistes qui se sentent : engagées (militantes), engaged (mariées), et enragées (activistes). Cette trilogie se poursuit chez les générations suivantes qui répondent aux problématiques de leurs époques, avec en question de fond, l'incrédule interrogation formulée par Linda Nochlin en 1971, dans son essai: Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ?

Activisme visuel, activisme social

En découle une perméabilité des moyens d'expressions, un décloisonnement des médiums et des sources. Plus seulement modèle, muse et sujet des arts, la femme se réapproprie son corps, par la performance. La peau, la sensualité et la sexualité couvrent les années historiques du happening. En s'alliant à l'image, la performance participe à l'activisme visuel et social de l'art contre la violence.

Résister, imaginer

Aux questions politiques, les artistes souvrent aux questions éthiques dans les années 1990. Les artistes afro-américaines, indiennes, africaines du Nord au Sud, s'intéressent aux convergences de l'héritage colonialiste. Elles réouvrent le dossier de l'histoire et des lieux de mémoire, comme elles se réapproprient leur visibilité.

À travers le mythe, les écoféministes s'engagent pour la protection des écosystèmes et la défense des minorités. Cartographies réparatrices, architectures utopiques, l'art prend le chemin de la dénonciation des formes de maltraitance à l'égard du vivant et de la célébration de son étonnante résilience.

Commissariat d'exposition: Danièle Marcovici et Stéphane Baumet