Jenny Brosinski In my cloud (NO birds)

Almine Rech Brussels is pleased to present 'In my cloud (NO birds)',  Jenny Brosinski's third solo exhibition with the gallery, on view from June 12 to July 26, 2025.

In 'In my cloud (NO birds)', Jenny Brosinski brings together painting and sculpture to form a cosmos in which materials and colors—surrounded by empty space—reveal their pure presence. What does it look like in the artist’s clouds, and what does the absence of birds suggest? What happens when something is not there, and how do you deal with emptiness? Brosinski approaches these questions in her signature style: dirty minimalism. Her work is reduced yet expressive, minimal but blooming with human gesture—always with a certain rawness. The clouds, or rather the air, become fluidly perceptible. There is no overload; instead, the focus is on painting that goes straight to the core. It’s about the essence of existence, which can also accommodate absence.

But first, let’s get specific: most of the sculptures are made from pine wood harvested in the artist’s garden. These are hefty, sawed-off trunks, their surfaces frayed, where natural brown tones run like the last flickering flames. Lines and triangles suggest mouths and pointed teeth—monsters, dragons, or dinosaurs hiding beneath the bark. Here, Brosinski’s figurative, fairy-tale sensibility comes into play. These are creatures that hover between abstract sculpture and half-remembered childhood companions.

The roughness of the wood also introduces a metaphysical dimension. It evokes themes of death, transience, becoming, growth, and decay. Wood is a new material for Brosinski, who previously carved in stone or cast in bronze. It’s less enduring, but more familiar—marked by growth rings and a tactile vulnerability.

The only stone sculpture in the exhibition is more concrete, especially in the design of the mouth, which leans toward figuration. This gives it the quality of a monument—something that endures—recalling the ephemeral wooden beings nearby. Squares etched into its surface guide the eye toward the paintings on the walls, linking the two bodies of work.

Brosinski’s visual vocabulary consists of lines, spots, scribbles, and gestural marks. These are the building blocks from which she composes an aesthetic grammar. What may appear spontaneous is in fact the result of deliberate choices. In fly from what not serves you, the action is concentrated in the lower part of the canvas. A fireplace-red organism bursts upward into hopeful white sugar mountains, drifting left into the dark shadows of the past. A glowing "P" shifts the perspective, reminding us that we’re looking at a green line and a red arc—and that the illusion is built from nothing more than color and marks.

Whether Red Horse actually depicts a red horse, or whether the abstraction simply distills the dynamism of a horse—as if steaming—depends on the viewer, and on how willing they are to dive into the cold, amorphous water.

A new development in Brosinski’s practice is her use of dark linen. Until now, she worked on lighter cotton fabrics that reflected a cooler, more contemporary aesthetic. The darker linen, by contrast, is rooted in art history. Joan Miró painted his playful forms on it, as did Jackson Pollock in his drip paintings. The brownish background is closely associated with the 20th century, which is why Brosinski had always avoided it. Now, she has found that—especially in combination with wood—it creates a strong link to nature. It opens up a sense of depth, allowing her palette of yellow, white, and pink to take on new dramatic effect, while still grounded in her dirty minimalist style.

'In my cloud (NO birds)' refers, in part, to Miró’s Cloud and Birds—a light, floating abstraction on dark linen. But today, “cloud” also brings to mind the digital storage of our lives, along with the growing anxiety of losing space and memories.

The cloud, like the many empty spaces in Brosinski’s paintings and in the exhibition itself, points to a recurring theme in her work: emptiness. In the Western world, emptiness is often pathologized—linked to depression and treated with medication or distraction. At the same time, self-fulfillment is promoted as the ultimate goal of capitalist society. In Buddhist thought, the opposite is true. Emptiness is seen as a meditative ideal, a state that frees the mind from pain, worry, and suffering. And in this contradiction lies a more difficult but deeper truth.

For Brosinski, emptiness also plays a central role in her painting process. “I am constantly confronted with how I endure emptiness, in my painting as well as in life.” But loneliness and emptiness repeatedly become sources of energy for her—and that energy is present in the work. From these consciously used voids, color and form emerge like warm geysers—charged, vital, alive.

— Larissa Kikol, independent art critic, art historian, and author

Almine Rech Bruxelles a le plaisir de présenter 'In my cloud (NO birds)', la troisième exposition personnelle de Jenny Brosinski à la galerie, du 12 juin au 26 juillet 2025.

Avec In my cloud (no birds), Jenny Brosinski unit peinture et sculpture pour créer un cosmos où matériaux et couleurs – entourés d'espace vide – révèlent leur présence même. Que voit-on dans ces nuages de l'artiste, et que signifie l'absence d'oiseaux ? Que se passe-t-il quand quelque chose manque, et comment gérer ce vide ? Brosinski aborde ces questions par son style unique : le minimalisme sale. Son travail, à la fois réduit et expressif, minime et foisonnant par le geste humain, présente toujours un aspect brut. Les nuages, ou plutôt l'air, deviennent fluides et perceptibles. Il n'y a pas de surcharge : l'accent porte sur la peinture qui va droit à l'essentiel. Il s'agit de l'essence de l'existence, qui peut également s'adapter à l'absence.

Mais tout d'abord, soyons précis : la plupart des sculptures sont faites en bois de pin provenant du jardin de l'artiste. De gros troncs sciés, à la surface fibreuse, où les tons bruns naturels s'apparentent aux dernières flammes. Les lignes et les triangles évoquent des bouches et des dents pointues – des montres, des dragons ou des dinosaures cachés sous l'écorce. Ici, la sensibilité figurative et féérique de Brosinski entre en jeu. On y trouve des créatures qui vacillent entre sculpture abstraite et compagnons d'enfance qui frôlent la mémoire.

Le rugueux du bois apporte aussi une dimension métaphysique, évoquant les thèmes de la mort, de la fugacité, du devenir, de la croissance et de la décomposition. Le bois est un nouveau matériau chez Brosinski, qui auparavant taillait la pierre ou moulait dans le bronze. Le bois est moins durable, mais plus familier, marqué par des anneaux de croissance et une vulnérabilité tactile.

La seule sculpture de pierre au sein de l'exposition est plus concrète, surtout dans le dessin de la bouche, qui tend vers la figuration. Ceci lui donne une qualité de monument, de quelque chose de durable, rappelant la nature éphémère des êtres en bois alentour. Des carrés gravés dans sa surface guident le regard vers les peintures accrochées aux murs, créant un lien les deux ensembles d'œuvres.

Le vocabulaire visuel de Brosinski comprend des lignes, des points, des griffonnages et d'autres marques gestuelles, fondations à partir desquelles elle compose sa grammaire esthétique. Ce qui apparaît comme spontané est en fait le fruit de choix délibérés. Avec fly from what not serves you, l'action se concentre sur la partie basse de la toile. Un organisme d'un rouge flamboyant jaillit vers des montagnes blanches comme du sucre qui se dressent, pleines d'espoir, et s'étire sur la gauche vers les ombres du passé. Un « P » lumineux change la perspective, nous rappelant que nous regardons une ligne verte et un arc rouge, et que l'illusion ne tient qu'à de la couleur et des marques.

Que Red Horse représente un cheval ou non, ou que l'abstraction distille simplement le dynamisme du cheval, comme de la vapeur, dépend du spectateur et de sa volonté à plonger dans l'eau froide et informe.

L'utilisation de lin sombre est un nouveau tournant chez Brosinski. Jusqu'ici, elle travaillait sur des tissus de coton plus clairs qui reflétaient une esthétique plus fraîche, plus contemporaine. Le lin sombre, quant à lui, est ancré dans l'histoire de l'art. Joan Miró l'utilisait pour peindre ses formes ludiques, tout comme Jackson Pollock pour ses peintures en dripping. Le fond plus ou moins marron est étroitement associé au XX^e siècle, raison pour laquelle Brosinski l'avait toujours évité. Désormais, elle y voit un lien puissant avec la nature, en particulier quand il s'allie au bois. Il apporte un sentiment de profondeur, permettant à sa palette de jaune, de blanc et de rose de créer des effets plus intenses, tout en restant fidèle à son style minimaliste sale.

In my cloud (no birds) fait en partie référence à Cloud and Birds de Miró – une abstraction légère et flottante sur lin sombre. Mais aujourd'hui, le terme « cloud » – ou « nuage » – évoque également le stockage numérique de nos vies, ainsi que l'angoisse croissante de perdre de l'espace et des souvenirs.

Le nuage, comme les nombreux espaces vides des peintures de Brosinski et de l'espace même de l'exposition, souligne un thème récurrent dans son travail : le vide. Dans le monde occidental, le vide prend souvent des connotations pathologiques, lié à la dépression et traité par des médicaments ou des distractions, tandis que l'accomplissement est encouragé comme le but ultime de la société capitaliste. Dans la pensée bouddhiste, c'est l'inverse : le vide est perçu comme l'idéal méditatif, un état qui libère l'esprit de la douleur, de l'inquiétude et de la souffrance. C'est au sein de cette contradiction que se trouve une vérité plus difficile, mais aussi plus profonde.

Pour Brosinski, le vide joue également un rôle essentiel dans son procédé pictural. « Je fais constamment face au vide dont je souffre, dans ma peinture comme dans ma vie. » Mais la solitude et le vide deviennent pour elle, encore et toujours, des sources d'énergie – et on retrouve cette énergie dans son œuvre. De ces vides consciemment utilisés, la couleur et la forme émergent telles des geysers chauds – chargés, vitaux, vivants.

— Larissa Kikol, critique d'art indépendante, historienne de l'art et autrice