Emily Mason Other Rooms, Works from 1959-2017

In January 2026, Almine Rech is dedicating an exhibition at its rue de Turenne space in Paris to the American painter Emily Mason (1932–2019). This will be the first major monographic exhibition devoted to the artist in Europe, spanning nearly sixty years of her creative output. Featuring around fifty works, this retrospective will cover a period from the late 1950s to the second half of the 2010s, offering the chance to discover her paintings on canvas, clayboard and paper.

Although her work is represented in several private collections in Europe, American painter Emily Mason's work has never been the subject of a solo exhibition here, with the exception of a 2004 presentation of her prints in Venice, the city where she studied and worked between 1956 and 1958. This first monographic presentation in France therefore offers an exceptional opportunity not only to engage with it anew but also to appreciate its distinctiveness within a contemporary context that celebrates painting in all its forms. 

Mason’s story begins, first and foremost, with a significant artistic heritage. Born in 1932 in New York City, she was the daughter of Alice Trumbull Mason, a poet, painter, printmaker, and co-founder of the American Abstract Artists (AAA) organization in the 1930s. In her various capacities, Alice corresponded with William Carlos Williams, Gertrude Stein, and Alice B. Toklas, and both within the framework of her AAA activities and beyond, maintained close ties with Josef Albers, Piet Mondrian, Joan Miró, David Smith, Arshile Gorky, Ray Johnson, Elaine and Willem de Kooning, Franz Kline, and Ad Reinhardt, before forming deep friendships with John Cage and Merce Cunningham. 

Emily Mason was profoundly influenced by this stimulating environment, through which she gained early exposure to a wide spectrum of complementary aesthetics—a foundation that ultimately shaped a creative approach defined by its refusal to settle into a comfort zone. This may in part explain why her work has remained largely overlooked. From the outset, Mason rejected the notion of a “signature style,” instead cultivating a practice that, guided by intuition and sensation, allowed her to continually explore uncharted territory rather than fall back on a fixed repertoire of forms and techniques entrenched in habitual patterns. 

Engaging with Mason’s body of work means accepting the risk of disorientation—of entering a terrain with shifting boundaries, composed of diverse realms, and surrendering to the vertigo caused by the loss of familiar reference points provided by immediately identifiable artistic practice. Her work was not born ex nihilo. How could it have been otherwise, for an American artist who began her journey in the mid-1950s, frequenting the Museum of Modern Art in New York before studying at Bennington College in the state of Vermont, a place that would come to play an important role in her life? Like many of her generation, she came into contact with Hans Hofmann. And like many of her generation, she immersed herself in European painting while simultaneously seeking to forge her own path, one shaped by both the Abstract Expressionists in New York and the painters of the Bay Area¹.

After spending extended periods in Italy during the 1960s, Mason and her husband, painter Wolf Kahn, purchased a farm in West Brattleboro, Vermont, in 1968. From then on, the family divided their time between the New England countryside and New York City, where Emily began teaching at the prestigious Hunter College in 1979. 

Much like the ever-changing atmospheres and shifting light she observed in Brattleboro, Mason constructed a multifaceted body of work defying any notion of stability. Her practice was defined by ongoing experimentation, driving her to constantly renegotiate her chromatic range, revisit her brushwork and gestures, reorganize forms and masses, and alternate between opacifying the surface and rendering it more translucent, depending on the fluidity of the paint. 

Mason is, without question, a master colorist, yet this selection also shows that her work cannot be reduced to a single dimension. Her relentless experimentation is equally evident in her ability to exhaust the possibilities of an extended pictorial language while remaining attuned to the specificities of each medium. Whether on canvas or clayboard, her paintings demonstrate a sumptuous array of applications. But particular attention should also be paid to how she explored paper and printmaking techniques, as in her monotypes, which evoke the material qualities of some of her paintings while clearly adhering to their own internal logic. The same holds true for a never-before-exhibited series of small-scale works from 2016, executed in black, white, and shades of gray, which offer an unexpected counterpoint to her more luminous, color-rich paintings. It is through this profusion that Mason’s work reveals itself, in its remarkable scope and continual flux. 

— Erik Verhagen, art historian and curator

¹ It is worth noting, to highlight a specifically Parisian context, that Mason met Joan Mitchell in the latter half of the 1950s on this side of the Atlantic. In her colleague’s work, she discerned the same need she herself felt to renegotiate the boundaries of contemporary painting.

En janvier 2026, Almine Rech consacre dans son espace de la rue de Turenne à Paris une exposition à la peintre américaine Emily Mason (1932–2019). Première exposition monographique d’envergure dédiée à cette artiste en Europe, celle-ci couvrira un spectre chronologique de presque soixante ans de création. Cette rétrospective composée d’une cinquantaine d’œuvres s’étalant de la fin des années 1950 à la deuxième moitié des années 2010 sera l’occasion de découvrir aussi bien ses peintures sur toile, plaque d’argile que sur papier.

Bien qu’elle ait intégré des collections particulières en Europe, la peintre américaine Emily Mason n’y a jamais fait l’objet d’une exposition personnelle, exception faite d’une présentation de son œuvre gravée en 2004 à Venise, ville où elle a étudié et travaillé entre 1956 et 1958. C’est dire à quel point cette première présentation monographique en France sera l’occasion de (re)découvrir son travail et d’en saisir la singularité dans un contexte à nouveau pleinement réceptif au medium pictural dans ses expressions les plus multiples. 

Mason, c’est pour commencer l’histoire d’un pédigrée. Née en 1932 à New York City, elle est la fille d’Alice Trumbull Mason, poétesse, peintre, graveuse et co-fondatrice dans les années 1930 de l’AAA (American Abstract Artists). Ses nombreuses casquettes permettront à Alice de correspondre avec William Carlos Williams, Gertrud Stein et Alice B. Toklas et de côtoyer dans et en dehors du cadre de ses activités au sein de l’AAA Josef Albers, Piet Mondrian, Joan Miro, David Smith, Arshile Gorky, Ray Johnson, Elaine et Willem de Kooning, Franz Kline ou Ad Reinhardt avant de se lier d’amitié avec John Cage et Merce Cunningham. 

Il va sans dire qu’Emily tirera profit de cet environnement stimulant et qu’elle bénéficiera à ce titre d’une « ouverture » sur des esthétiques résolument complémentaires favorisant à terme la mise en place d’une démarche dont l’un des mérites est de ne pas se réfugier dans une zone de confort. Là réside sans aucun doute aussi la raison qui explique la visibilité réduite de son œuvre. Ayant refusé dès ses débuts d’opter pour un « signature style », l’artiste a en effet développé un travail qui au gré de ses intuitions et sensations l’a autorisée à s’aventurer continuellement dans des contrées inexplorées au lieu de se reposer sur un répertoire de formes et de techniques figé dans des réflexes induits par l’habitude. 

Parcourir le corpus de Mason, c’est prendre le risque d’être déboussolé. De fouler un territoire aux frontières instables, composé de régions diversifiées et de succomber au vertige que peut provoquer la perte de repères qu’une œuvre immédiatement identifiable garantirait. Certes, la sienne n’est pas née ex nihilo. Comment pourrait-il en être autrement pour une artiste américaine qui a commencé sa trajectoire au milieu des années 1950 et qui a fait ses classes en se rendant régulièrement au MoMA de New York avant d’effectuer ses études au Bennington College dans le Vermont, état qui jouera un rôle important dans sa vie. Comme nombre d’artistes de sa génération, elle aura été au contact de Hans Hofmann. Comme nombre d’artistes de sa génération, elle s’imprégnera de la peinture européenne tout en cherchant à développer sa propre voie, inspirée par les trajectoires des expressionnistes abstraits new-yorkais et des peintres de la Bay Area¹.

Après plusieurs séjours en Italie dans les années 1960, Mason et son mari, le peintre Wolf Kahn, feront en 1968 l’acquisition d’une ferme à West Brattleboro dans le Vermont. A partir de là, la famille partagera son temps entre la campagne et New York où Emily enseignera à partir de 1979 au fameux Hunter College. 

A l’image des atmosphères changeantes et des luminosités fluctuantes dont elle sera témoin à Brattleboro, Mason échafaudera une œuvre multiple, réfractaire à toute idée de stabilité. Une œuvre placée sous le signe de l’expérimentation continue incitant l’artiste à renégocier en permanence sa gamme chromatique, à renouveler ses facture et gestualité, à réorganiser formes et masses, à tantôt opacifier tantôt perméabiliser une peinture selon les cas plus ou moins fluidifiée. 

Mason est indéniablement une grande coloriste. Mais la sélection que nous avons opérée vise aussi à démontrer qu’elle ne saurait être réduite à ce paramètre. Sa soif d’expérimentation se traduit aussi par sa capacité à épuiser les différentes facettes d’une rhétorique picturale étendue tout en tenant compte des spécificités de tel ou tel médium. Si sa peinture sur toile ou sur plaque d’argile offre une copieuse panoplie d’applications, on se montrera aussi attentif à sa façon de manier le papier et les techniques de gravure, ses monotypes lui donnant la possibilité de générer des effets de matière qui tout en rappelant certaines de ses peintures répondent incontestablement à leurs propres lois. Il en est de même d’une série inédite de petit format de 2016, jamais exposée, en noir et blanc et nuances de gris, qui offre un inattendu contrepoint à ses peintures chatoyantes. C’est dans son foisonnement que se révèle le travail de Mason. Dans son impressionnante amplitude et fluctuation.

— Erik Verhagen, historian de l'art et curateur

¹ Notons pour souligner une donnée spécifiquement parisienne qu’elle rencontrera Joan Mitchell dans la deuxième moitié des années 1950 de ce côté-ci de l’Atlantique. Elle percevra dans le travail de sa consœur un même besoin de renégocier les frontières de la peinture contemporaine.