Jean Dewasne

A major figure of the revival of geometric abstraction, in the 1950s Jean Dewasne established himself as one of the most daring artists of his generation. In post-war Paris, he conceived of pure geometry and colors as symbols of a new humanism underway, incorporating the scientific thinking and technological progress of the time. Although his early work followed in the footsteps of the pioneers of abstraction, he quickly asserted a resolutely new vision based on the use of industrial materials and a monumental approach to creation.

After extensive studies in music, he attended the Beaux-Arts where he studied architecture, before turning to abstraction in 1943. Laureate of the Prix Kandinsky with Jean Deyrolle in 1946, later that year he became involved in the founding of the Salon des Réalités Nouvelles, which played a fundamental role in the recognition of abstract art on both an institutional level, and in terms of the general public. He worked alongside Herbin, Sonia Delaunay, Arp and Pevsner: leading figures of a generation in search of direction and knowledge in the post-war period. Early paintings by Dewasne, influenced by a Cubist heritage, are characterized by a sustained material rhythm and a vehement touch. His work at the time was supported by the gallery Denise René, and little by little, his painting style became lighter and clearer. He participated in the dissemination of geometric awareness in France and beyond alongside Vasarely, Poliakoff, Jacobsen and Mortensen. A great campaigner and theorist at heart, Dewasne wrote the le Traité d’une peinture plane in 1949, and one year later opened the Atelier d’art Abstrait with Edgar Pillet — a pedagogical laboratory which aimed to promote abstraction construite. He taught the theory of form, colorimetry and the chemistry of colors to students who had arrived from across the globe, notably to GI scholarship students sent by the US Embassy. 

It was at this time that Jean Dewasne’s painting saw a radical transformation, which can be seen clearly in the foundational work L’Apothéose de Marat (1951). From here on, he began using industrial enamel paint (lacquer, glycerophthalic paint) applied to hardboard panels, homogenizing surfaces and accentuating the divisions between the geometric areas of bright colors through the use of a ruler and compass, giving his works a smooth, almost manufactured appearance. At the same time Dewasne elaborated a highly personal artistic language which he would go on to endlessly replenish over the ensuing decades, mixing hexagons, squares, semi-circles, ellipses, checkerboard patterns, concentric shapes and their derivatives. This evolution, which sets him apart from those who went before him, notably Auguste Herbin, was marked by a decisive step when he began making his “anti-sculptures”. Dewasne himself recounts the inception of this invention, inaugurated by the Tombeau d’Anton Webern (1951-1952), acquired by the Centre Pompidou while the artist was still alive: “In 1951, I found the back of a pre-war race-car, and its shape was interesting to me. I sawed off the bottom and stood it upright, and I realized I could paint both the interior and exterior at the same time. I worked on it and it became my first anti-sculpture.”¹ This ready-made support, with its hollowed-out and curved surfaces, animated by a brilliant and colorful geometry, heralds the visual effects of American hard-edge painting. The dynamic cut-outs in his works reflect his enthusiasm for the industrial world; he described “its relationship to the steelworks, the rolling mill! What extraordinary competition for a sculptor!” ² A committed communist, Dewasne saw abstract creation as an instrument for social renewal that he sought to put to the service of the improvement of society. This profoundly utopic conception of the role of art set him apart from the new realists to whom his is often compared, notably to César and his Compressions. 

Terminating his contract with Denise René in 1954, Dewasne joined the gallerist Daniel Cordier, a fervent supporter of his since the start of his career. In the 1960s, when Lyrical Abstraction reigned supreme, the former  resistant ardently defended him, as we can see in the following statement. Dewasne's “work, bursting with determination, energy and tension,” celebrates "the spirit of contemporary life, saturated with mysterious and familiar inventions that transform both the hearts of men and the framework of their existence. In contrast to nostalgic painting, which feeds on faded emotions, here is a resolutely idyllic painting that constructs the most exhilarating and truest image of the great revolutions that man has brought about over the last hundred years.” ³

International recognition for Jean Dewasne was soon to follow: after a retrospective at the Kunsthalle Berne in 1966, he represented France at the Venice Biennale in 1968. The artist continued his experimentations with new manufactured forms, such as motorbike engine covers, initiating the series Cerveaux Mâles in 1972. These works are animated by forms that brush up against one another, that run after one another without ever cutting across one another, creating syncopated rhythms that give way to stripes, curves and baroque details. 

Throughout his career Dewasne ceaselessly reflected upon his work, in the 1970s he theorized in writing the transition from a flat painting practice to a spatial practice, using industrial painted forms to create an innovative topological complexity based on curvature. This evolution attests his embrace of non-Euclidean geometries and contemporary scientific research, where the concepts of relationship and transformation take precedence over those of measure and stability. Thanks to a collaboration with Renault undertaken in 1972 (which would endure until the 1980s) he produced 24 “anti-sculptures” made from lorry chassis of around 2-metres long. He received a number of commissions for monumental-scale works, including  La longue Marche (1968, for the Lycée Haubourdin, 88-meters long), gigantic frescos for the Olympic Games in Grenoble (1968), and a piece for the Hanover metro (1975, 110-meters long). He exhibited these works across the globe, from Europe to North America (notably at The Carnegie Museum of Art in Pittsburgh). A visionary artist, Dewasne directly influenced the polychromatic structure of the Centre Pompidou, which he called his “largest ever anti-sculpture”. In 1986 the architect behind the Grande Arche de la Défense, J. Otto von Spreckelsen commissioned a series of enormous murals (100 meters tall and 70 meters wide) from Dewasne for which he applied his theory of graphs and lattices, tree-like combinations representing “the complexity of the relationships between ideas.” (Dewasne)

A few years prior to his death, in 1993, Dewasne was elected to the Académie des Beaux-Arts to the seat of his friend Hans Hartung. In 2014, the Musée Matisse du Cateau Cambrésis produced an important retrospective dedicated to the artist, while in 2012 a considerable donation of his work was made to the French state by his widow Mythia Kolesarova Dewasne, allowing for his work to be distributed across numerous French museums (including the Centre Pompidou, Musée d’Art Moderne de Paris, LAAC Dunkerque, LaM Villeneuve d’Ascq, and MAC VAL). Dewasne’s oeuvre contributed decisively to the birth of a new kind of geometric art, which bears witness to the desire to blend art and life through never-seen-before monumental and in-situ creations, which gave his work a profoundly generous and social dimension.

— Domitille D'Orgeval, Contemporary art historian, critic, and independent curator.

1  Extract from an interview with Jean Dewasne by Jean-Étienne Grislain, « Jean Dewasne, la vie pleine du tableau », Art Press, n° 127, July 1988, p. 24.
2 https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/cR5zA6a
3 Text by Daniel Cordier c.1963, extract from exhibition flyer, no date.

Almine Rech Paris, Matignon a le plaisir de présenter la première exposition personnelle de Jean Dewasne avec la galerie, du 10 janvier au 14 mars, 2026.

Figure majeure du renouveau de l’abstraction géométrique, Jean Dewasne s’impose dès les années 1950 comme l’un des artistes les plus audacieux de sa génération. Dans le Paris de la Reconstruction, il conçoit la géométrie et les couleurs pures comme les signes d’un nouvel humanisme en prise avec la pensée scientifique et les progrès techniques de son temps. Si son œuvre s’inscrit à ses débuts dans la continuité des pionniers de l’abstraction, il affirme très tôt une vision résolument nouvelle, fondée sur l’emploi de matériaux industriels et une approche monumentale de la création.

Après des études approfondies de musique et un passage aux Beaux-Arts où il étudie l’architecture, Dewasne s’engage dans l’abstraction en 1943. Lauréat du prix Kandinsky avec Jean Deyrolle en 1946, il s’implique la même année dans la fondation du Salon des Réalités Nouvelles qui joue un rôle fondamental dans la reconnaissance de l’art abstrait, aussi bien auprès des institutions que du grand public. Il y côtoie Herbin, Sonia Delaunay, Arp ou Pevsner, figures tutélaires d’une génération en quête de repères et de connaissances après les années de guerre. 

Les premières peintures de Dewasne, marquées par l’héritage cubiste, se caractérisent par un rythme plastique soutenu et une touche véhémente. Il bénéficie dès cette époque du soutien de la galerie Denise René et, au fur et à mesure que sa peinture s’allège et se clarifie, il participe à la diffusion d’une sensibilité d’ordre géométrique en France et au-delà, aux côtés de Vasarely, Poliakoff, Jacobsen, Mortensen. Grand militant et théoricien dans l’âme, Dewasne rédige le Traité d’une peinture plane en 1949, puis an plus tard, il ouvre avec Edgar Pillet l'Atelier d'art abstrait, laboratoire pédagogique visant à promouvoir l’abstraction construite ; il enseigne la théorie de la forme, la colorimétrie, la chimie des couleurs à de jeunes artistes venant du monde entier, notamment des G.I.’s boursiers envoyés par l’ambassade des Etats-Unis. 

La peinture de Jean Dewasne connaît à cette époque une transformation radicale, dont témoigne L’Apothéose de Marat (1951), tableau fondateur. Il adopte désormais une peinture industrielle émaillée (laque, peinture glycérophtalique) appliquée sur des panneaux d’isorel, il homogénéise ses surfaces, accentue les séparations entre les plages géométriques de couleurs vives grâce à l’usage du tire-ligne et du compas, conférant ainsi à ses œuvres une apparence lisse et quasi manufacturée. Dewasne élabore dans le même temps une grammaire plastique très personnelle qu’il enrichira sans relâche au cours des décennies, mêlant hexagones, carrés, demi-cercles, ellipses, motif en damiers, formes concentriques et leurs dérivés.... Cette évolution, qui le démarque vite de ses aînés (Auguste Herbin notamment), connait une étape décisive lorsqu’il élabore ses « Anti-sculptures ». Dewasne a lui-même raconté l’origine de cette invention, inaugurée par le Tombeau d’Anton Webern (1951-1952), acquis par le Centre Pompidou du vivant de l’artiste : «En 1951, j’ai trouvé un arrière de voiture de course d’avant-guerre et la forme m’a intéressé. J’en ai scié la base, je l’ai mise debout et je me suis aperçu que je pouvais peindre l’intérieur et l’extérieur en même temps. […] J’ai travaillé là-dessus et cela a donné la première anti-sculpture¹ ». Ce support ready-made, aux surfaces creusées et bombées, animées une géométrique brillante et colorée, annonce les effets visuels de la peinture hard edge américaine. 

Les découpes dynamiques de ses oeuvres traduisent l’enthousiasme du peintre pour le monde industriel, qui déclarait : «Le contact avec une aciérie, un train de laminage ! Quelle extraordinaire concurrence pour les sculpteurs !² ». Communiste convaincu, Dewasne envisage la création abstraite comme un instrument de rénovation sociale, devant contribuer à l’amélioration de la société. Cette conception profondément utopique de la mission artistique l’a distingué des Nouveaux Réalistes, auxquels on l’a souvent comparé, notamment de César et de ses Compressions.

Rompant son contrat avec Denise René dès 1954, Dewasne rejoint en 1956 le galeriste Daniel Cordier, d’un fervent soutien depuis ses débuts. Dans les années 1960, alors que l’abstraction lyrique triomphe, l’ancien résistant le défend ardemment, comme en témoignent ces lignes : « l’œuvre pleine à craquer de volonté, d’énergie, de tension » de Dewasne « célèbre l'âme de cette vie contemporaine saturée d'inventions mystérieuses et familières, qui transforment autant le cœur des hommes que le cadre de leur existence. Face à la peinture nostalgique qui se nourrit d'émotions fanées, voici une peinture résolument idyllique, qui construit l'image la plus exaltante et la plus vraie des grandes révolutions que l'homme suscite depuis cent ans.³ »  

La reconnaissance internationale de Jean Dewasne suit : après une rétrospective à la Kunsthalle de Berne en 1966, il représente la France à la Biennale de Venise en 1968. L’artiste continue ses expérimentations sur des nouvelles formes manufacturées, comme des carénages de moto, puis il initie la série des Cerveaux Mâles en 1972. Ces œuvres sont animées par des formes qui se frôlent, s’enchainent sans jamais s’entrecouper, créant des rythmes syncopés que soulignent ici des zébrures, là des courbures aux accents baroques. 

Dewasne, qui n’a cessé de développer des réflexions sur son art, théorise dans ses écrits des années 1970 le passage d'une peinture plane à une pratique spatiale, utilisant des formes industrielles peintes pour créer une complexité topologique inédite fondée sur la courbure. Cette évolution témoigne de son ralliement aux géométries non-euclidiennes et aux recherches scientifiques contemporaines, où les notions de relation et de transformation priment sur celle de mesure et de stabilité. Grâce à une collaboration entamée avec la Régie Renault en 1972 (et qui se prolongera jusque dans les années 1980), il réalise 24 « Antisculptures » à partir de pièces de châssis de camion d’environ deux mètres. Il reçoit de nombreuses autres commandes monumentales, parmi lesquelles La longue Marche (1968, lycée d’Haubourdin, 88 mètres de long), des fresques gigantesques pour les Jeux Olympiques de Grenoble (1968), pour le métro de Hanovre (1975, 110 mètres de long), et expose ses réalisations monumentales dans le monde entier, de l’Europe du Nord aux Etats-Unis (au musée Carneghie de Pittsburgh). Artiste visionnaire, Dewasne influence directement la polychromie du Centre Pompidou, qu’il désignait comme étant sa « plus grande Antisculpture ». En 1986, l’architecte de la Grande Arche de la Défense, J. Otto von Spreckelsen lui commande d’immenses peintures murales (100 mètres de haut et 70 mètres de large) pour lesquelles il applique sa théorie des graphes et des treillis, des combinaisons en arborescence représentant « la complexité des rapports entre les idées » (Dewasne). 

Quelques années avant sa mort, en 1993, Dewasne est élu à l’Académie des Beaux-Arts, au fauteuil de son ami Hans Hartung. En 2014, le Musée Matisse du Cateau Cambrésis lui consacre une importante rétrospective, tandis qu’en 2012, l’importante donation faite à l’État français par sa veuve, Mythia Kolesarova Dewasne, permet de répartir ses créations dans de nombreux musées français (Centre Pompidou, Musée d’Art Moderne de Paris, LAAC de Dunkerque, LaM de Villeneuve d’Ascq, le MAC VAL ...). L’œuvre de Dewasne a contribué pleinement à l’avènement d’un art géométrique nouveau qui témoigne d’une volonté de fusionner l’art et la vie, par des réalisations monumentales inédites et in situ, conférant ainsi à l’art une dimension profondément généreuse et sociale.

— Domitille D'Orgeval, Docteure en Histoire de l’art contemporain, critique d’art et commissaire d’expositions.

1  Extrait de l’interview de Jean Dewasne par Jean-Étienne Grislain, « Jean Dewasne, la vie pleine du tableau », Art Press, n° 127, juillet 1988, p. 24.
2 https://www.centrepompidou.fr/fr/ressources/oeuvre/cR5zA6a
3 Texte de Daniel Cordier datant probablement de 1963, extrait du dépliant de l’exposition, non daté.