Fabien Adèle Cycles

Almine Rech Paris, Turenne (Front Space) is pleased to present 'Cycles', Fabien Adèle's fourth solo exhibition with the gallery, on view from September 4 to 27, 2025.

The general conception of seriality and repetition is that it is something that belongs in the world of factories and industry; that it is boring and banal. We all want to be different; and we’re taught to search out experiences that are unique. Yet seriality and repetition stand at the heart of many of the extremely personal and particular works that make up Fabien Adele’s artistic practice. “It was drawing, for example, a flower and repeating it until it become something else, something that is moving,” he explains of the origins of some of his latest series of works. While drawings often proceed paintings and compositions evolve, the final composition is as much the product of the artist’s imagination (he doesn’t work with models, collages or external sources) and what the materials suggest. To a degree each work is shaped as it is made, with a freedom that belies its apparently strict composition.

So, for example, in one of his new paintings we see three rows of flowers, two daisy-like, one tulip-like, popping up between blades of grass at regular intervals. Too regular to be natural; not precise enough to be machine-made. Each rendition of each flower-type the same, but a little different. Different in tone, in angle, and in a central passage that appears to be rather theatrically spotlit. As if to remind us that there is nothing natural about this scene, that it belongs as much to the stage and the screen as it does to the great outdoors, however natural the gold-tinged flora and fauna may appear. A pair of scissors, blades akimbo, seems to have danced into the lowest row of daisy-type flowers, its shears mirroring their stalks, its finger-holes their heads. At a first glance it might seem another part of a regular whole, rather than a sinister surreal form. The painting is innocently titled: Dans le jardin (2025). Which makes it seem more sinister still. The spotlight now perhaps a searchlight, patrolling for who knows what. A psychoanalyst would, literally, have a field day. And the artist too is open about the way in which his work is the product of both conscious and unconscious thought.

And yet, Adèle’s work is also, undoubtedly, sensual too; made up of washes of colour, glowing lights and fantastically fleshy subjects. The product of the artist’s deft manipulation of oil paint, chalk and sand. In a related work, Fallen peach/Pêche tombée de l’arbre (2024–25), a similar pattern of flowers is complemented by a neatly arranged row of enormous peaches, half buried in the grass but conveying every sensual and sexual trigger we might have heard associated with them. We might think of Rococo designs in which curving, pastel forms provide a natural disguise for formal order. And then we notice a row of human forms emerging from the treeline, literally emerging from the paint – more the red-brown colours taking shape rather than form itself. “I like when I start with an abstract thing, and then you start to be figurative at some point with the colours and shades,” Adèle says as he continues to describe his process. But you don’t really need the artist to point that out. Because, as you look at his work, it’s all there.

In a way, we, as viewers, are performing the same actions Adèle, albeit in a slightly different way. We read his palette to shape a season or a mood – late summer, early autumn perhaps, warm, earthy tones, hot reds and yellows, the odd cool blue. A time of fecundity and change. A time when people, like the ones in the largest of the works here, Still Here/Toujours ici (2024–25), might be inclined to wear less clothing as they lounge in the landscape. Their bodies and the fields, thanks to the artist’s brush strokes, seem to pass through both figure and ground, becoming inseparable, one. Which we might then read as telling us about the two figures in the work, one lounging against a tree, one standing. Perhaps lovers. And just like that we’re starting to transform two figures in a landscape into a narrative or a tale.

Armed with Adèle’s biography we might start to take that further still: a young, gay man, growing up in the rural south of France, dreaming of escaping to the big city (Paris) where a life led in his imagination might become something more real. The current works were born out of a residency in Brescia, Italy, where the artist was surrounded by murals and paintings created out of washes which were reminiscent of the colour palettes that the artist grew up with in the south of France. A reconnection of sorts to the site of his teenage years and a place of dreams, and a search for belonging, triggering the artist the same way that these biographical details might have triggered you to read Adèle’s work in a particular way. Although you don’t need to take things that far. What’s more important is the way in which Adèle’s paintings take the abstract material of dreams and construct a scene in which people (not just what’s depicted, but viewers too) and objects seem to fit in, most of the time.

In a sense, every work of art creates an imagined community, a place of belonging. A group of people – the artist; his audience – who don’t know each other but assume, when they are looking at the artwork, that they are thinking the same things. Even if there is no evidence to prove it. “It's just a window for people to imagine what they want to imagine.” And so, we follow in the footsteps of the artist. Doing exactly what they did.

— Mark Rappolt, Editor-in-Chief of ArtReview.

Almine Rech Paris, Turenne (Front Space) a le plaisir de présenter 'Cycles', quatrième exposition personnelle de Fabien Adèle avec la galerie, visible du 4 au 27 septembre 2025.

La conception générale de la sérialité et de la répétition est qu’elles appartiennent au monde des usines et de l’industrie ; qu’elles sont ennuyeuses et banales. Nous voulons tous être différents ; et on nous apprend à rechercher des expériences uniques. Pourtant, la sérialité et la répétition sont au cœur de nombreuses œuvres profondément personnelles et singulières qui composent la pratique artistique de Fabien Adèle. « C’était, par exemple, dessiner une fleur et la répéter jusqu’à ce qu’elle devienne autre chose, quelque chose qui bouge », explique-t-il à propos des origines de certaines de ses dernières séries. Bien que les dessins précèdent souvent les peintures et que les compositions évoluent, la composition finale est autant le produit de l’imagination de l’artiste (il ne travaille ni avec des modèles, ni des collages, ni des sources extérieures) que de ce que les matériaux lui suggèrent. Dans une certaine mesure, chaque œuvre se façonne au fur et à mesure de sa création, avec une liberté qui dément sa composition apparemment rigide.

Ainsi, par exemple, dans l’un de ses nouveaux tableaux, on voit trois rangées de fleurs — deux qui rappellent des marguerites, une des tulipes — surgissant entre des brins d’herbe à intervalles réguliers. Trop réguliers pour être naturels ; pas assez précis pour être industriels. Chaque représentation d’un type de fleur est la même, mais un peu différente. Différente par la teinte, par l’angle, et par un passage central qui semble théâtralement éclairé. Comme pour nous rappeler qu’il n’y a rien de naturel dans cette scène, qu’elle appartient autant à la scène ou à l’écran qu’à la nature, aussi « naturelles » que puissent paraître ces flores dorées. Une paire de ciseaux, lames entrouvertes, semble avoir dansé dans la rangée inférieure de fleurs-marguerites, ses lames imitant leurs tiges, ses anneaux leurs têtes. À première vue, cela pourrait sembler être une autre partie d’un tout régulier, plutôt qu’une forme surréaliste inquiétante. Le tableau est innocemment intitulé : Dans le jardin (2025). Ce qui le rend d’autant plus sinistre. Le projecteur devient peut-être un faisceau de recherche, en quête… de quoi, au juste ? Un psychanalyste s’en donnerait à cœur joie. Et l’artiste lui-même reconnaît que son travail est le fruit à la fois de pensées conscientes et inconscientes.

Et pourtant, le travail d’Adèle est aussi indéniablement sensuel ; fait de lavis de couleurs, de lumières brillantes et de sujets d’une chair fantastique. Le produit d’une manipulation habile de la peinture à l’huile, de la craie et du sable. Dans une œuvre apparentée, Fallen peach / Pêche tombée de l’arbre (2024–25), un motif floral similaire est complété par une rangée soigneusement disposée de pêches énormes, à moitié enfouies dans l’herbe mais évoquant toutes les connotations sensuelles et sexuelles que nous associons à ce fruit.
On pense aux décors rococo, dans lesquels des formes pastel et courbes dissimulent un ordre formel. Puis l’on remarque une rangée de formes humaines émergeant de la lisière des arbres, littéralement en train d’émerger de la peinture — plus des couleurs rouge-brun prenant forme que des formes complètement définies. « J’aime commencer avec quelque chose d’abstrait, puis devenir figuratif à un moment donné, avec les couleurs et les ombres », dit Adèle en décrivant son processus. Mais il n’est pas nécessaire que l’artiste le dise : tout cela est visible dans ses œuvres.

D’une certaine manière, nous, spectateurs, accomplissons les mêmes gestes qu’Adèle, bien que de manière différente. Nous lisons sa palette pour en extraire une saison ou une humeur – fin d’été, début d’automne peut-être, tons chauds et terreux, rouges et jaunes brûlants, quelques bleus froids. Un moment de fécondité et de changement. Un moment où les gens, comme ceux du plus grand tableau ici, Still Here / Toujours ici (2024–25), pourraient être enclins à porter moins de vêtements en se prélassant dans le paysage. Leurs corps et les champs, grâce aux coups de pinceau de l’artiste, semblent traverser à la fois la figure et le fond, devenant inséparables, unis. Ce que l’on peut alors lire comme une métaphore de la relation entre ces deux figures dans l’œuvre, l’une adossée à un arbre, l’autre debout. Peut-être des amants. Et, juste comme ça, on commence à transformer deux figures dans un paysage en un récit, une histoire.

Avec la biographie d’Adèle en tête, on pourrait pousser l’analyse encore plus loin : un jeune homme gay, ayant grandi dans le sud rural de la France, rêvant de s’échapper vers la grande ville (Paris), là où une vie vécue dans l’imaginaire pourrait devenir réalité. Les œuvres actuelles sont nées d’une résidence à Brescia, en Italie, où l’artiste était entouré de fresques et de peintures réalisées en lavis, rappelant les palettes de couleurs de son enfance dans le sud de la France. Une forme de reconnexion avec les lieux de son adolescence et ses rêves, une quête d’appartenance, qui a déclenché chez l’artiste les mêmes associations que ces détails biographiques peuvent éveiller chez nous dans notre lecture de son œuvre. Mais il n’est pas nécessaire d’aller aussi loin. Ce qui importe le plus, c’est la manière dont les peintures d’Adèle transforment la matière abstraite des rêves en une scène où les gens (non seulement ceux représentés, mais aussi les spectateurs) et les objets semblent s’intégrer — la plupart du temps.

D’une certaine façon, toute œuvre d’art crée une communauté imaginaire, un lieu d’appartenance. Un groupe de personnes – l’artiste ; son public – qui ne se connaissent pas mais supposent, en regardant l’œuvre, qu’ils pensent la même chose. Même s’il n’y a aucune preuve de cela. « C’est juste une fenêtre pour que les gens puissent imaginer ce qu’ils veulent imaginer. » Et ainsi, nous suivons les pas de l’artiste. Faisant exactement ce qu’il a fait.

— Mark Rappolt, rédacteur en chef d’ArtReview