Laurie Simmons Black & White

Almine Rech, Matignon is pleased to present 'Laurie Simmons: Black & White', the artist’s first exhibition with the gallery, on view from October 18 until December 20, 2025.

The inspiration for Laurie Simmons’s first photographs came from a surprising source: Gordon Matta-Clark’s building cuts. Simmons, raised in Long Island during the 1950s and early 1960s, grew up in a traditional suburban household, shaped by that era’s rigid gender roles. When she learned about Matta-Clark's reconfigured suburban house (Splitting, 1974), she realized that destabilizing this totem of domesticity could provide her a way to examine the cultural norms it embodied. So in 1976 she bought a 1950s tin dollhouse, staged it with toy furniture and wallpaper swatches, and photographed the tiny rooms through its cutaway back wall. Occasionally she placed it in a brief patch of sunlight that appeared each morning in her studio. In those photographs, a careful viewer might notice squares of light in the shape of dollhouse windows — sunbeams within a sunbeam. If you've ever seen documentation of the daylight streaming through Matta-Clark's 1975 cut piece at the Chelsea piers, the effect is doubly evocative.

For this solo exhibition, her first at Almine Rech, Simmons is showing several of these 1976 photographs, the genesis of all the art she has made since. (Color photographs from the series were first exhibited in her 1979 solo show at Artists Space in New York.) In Sink/Ivy/Wallpaper, a bathroom sink stands before a wall patterned with an ivy-and-trellis motif. It’s photographed at eye level, as if by someone about to wash their hands, but the sink’s fixtures are too small, the wallpaper’s pattern too bold. Our eyes, unsettled by this scale disparity, soon recognize them as a miniature sink and a full-scale wallpaper swatch. In the photograph Woman Listening to Radio, a similar camera angle places us in a living room with a toy homemaker from the 1950s. Her lidless eyes stare blankly, her plastic body stiff on the sofa at the heart of her suburban dream home.

An equivalent scenario plays out in Autofiction: Black & White/Living Room (Woman Sitting Alone) (2025) but with very different results. Made in collaboration with a text-to-language image generator, Simmons’s Autofiction paintings are uncanny renditions of her past personas. For the latest chapter in this alternative history, she revisits her stand-ins from the early dollhouse photos, mimicking their black and white palette and 1950s fashions. But the new compositions are littered with AI glitches — a very contemporary form of alienation — further destabilizing these figments of traditional domesticity. Accompanying the paintings is a new Autofiction video, which the artist narrates through her computer-generated avatars.

The exhibition also includes two new wall reliefs from Simmons’s Deep Photos series, which she began in 2020. These two sculptures offer a very different angle on the dollhouse interior: an overhead view, with the floors tilted up ninety degrees. Instead of the suburban family home, each diorama depicts what appears to be a studio apartment. Deep Photos: Black & White/Barbie Dream House (Ken) (2025) and Deep Photos: Black & White/Barbie Dream House (Barbie) (2023), as their titles suggest, are made with the original Barbie Dream House, which was released in 1962 and made entirely of cardboard and paper. After tracking down the secondhand dollhouses, Simmons used white, gray, and black paints to completely cover the original yellow, blue, Barbie-pink interiors, adding grisaille furnishings and dolls to complete the achromatic scene. Black and white images are familiar signifiers of the past, but grayscale sculptures take us by surprise, which is entirely in keeping with Simmons’s approach to her source material.

The final work in the exhibition is a sculpture of a subject that has reappeared in her work repeatedly since the late 1980s: cake. Tilted up ninety degrees like the Deep Photos sculptures, this heavily frosted cake protrudes from the wall on a gray stand. In the 1970s and 1980s, Simmons lived in SoHo and often ate at FOOD, the artist-run restaurant co-founded by Gordon Matta-Clark. She did not attend the November 1974 performance at which he unveiled a cake shaped like a Monopoly house and sliced it for the audience. Simmons’s cake takes a more familiar form (circular, with black and white frosting), but it too has been cut, and the V-shaped intersect gives us a view of the inside. This gravity-defying confection is one more example of what has been called Simmons’s fiction of interiority — a feminism that recognizes gender as a phenomenon lived through a body, with all its injuries and pleasures.

— Craig Garrett, writer

Almine Rech, Matignon a le plaisir de présenter 'Laurie Simmons : Black & White', la première exposition de l’artiste au sein de la galerie, du 18 octobre au 20 décembre 2025.

Les premières photos de Laurie Simmons ont une source d’inspiration surprenante : les découpes architecturales de Gordon Matta-Clark. Ayant grandi à Long Island dans une famille de banlieue typique des années 1950 et 1960, elle a été influencée par la rigidité des rôles sociaux de l’époque. Sa découverte de l’œuvre Splitting (1974) de Matta-Clark, une maison de banlieue transformée, lui a révélé comment la déconstruction de ce symbole domestique pouvait soulever des questions sur les normes culturelles. En 1976, Simmons achète une maison de poupée en tôle des années 1950, la meuble avec de petits accessoires et tapisse les murs avec des échantillons de papiers peints, avant de la photographier à travers une paroi découpée. Parfois, elle place la maison dans un rayon de soleil matinal qui éclaire son atelier. Sur ces images, on aperçoit des petits carrés lumineux qui rappellent les fenêtres, créant ainsi un jeu de lumière évocateur. Ce procédé fait écho à la lumière traversant l’œuvre découpée de Matta-Clark en 1975 à Chelsea.

Pour cette exposition personnelle, Simmons présente ses photographies fondatrices, réalisées en 1976. Les versions en couleur de cette série avaient été exposées pour la première fois à Artists Space à New York en 1979. Dans l’œuvre Sink/Ivy/Wallpaper, un petit lavabo se dresse devant un mur recouvert d’un motif de lierre et de treillis, photographié à hauteur d’yeux. Mais l’échelle décalée du lavabo et le motif audacieux du papier peint révèlent qu’il s’agit d’un univers miniature. Woman Listening to Radio offre une scène similaire : une poupée ménagère des années 1950, yeux fixes et corps rigide, occupe un canapé dans un salon soigneusement mis en scène, incarnant le rêve banlieusard de l’époque.

Un effet comparable se déploie dans Autofiction : Black & White/Living Room (Woman Sitting Alone) (2025). Ici, Simmons collabore avec une intelligence artificielle génératrice d’images pour créer des peintures déroutantes inspirées de ses personnages passés. Elle revisite ses modèles initiaux dans une palette noir et blanc, reprenant les modes des années 1950, mais les “bugs” générés par l’IA instaurent une forme d’étrangeté contemporaine qui trouble ces scènes domestiques familières. Ces toiles sont accompagnées d’une nouvelle vidéo Autofiction, animée par les avatars générés par ordinateur de l’artiste.

Deux nouvelles sculptures murales de la série Deep Photos, entamée en 2020, font aussi partie de l’exposition. Ces œuvres proposent une vue aérienne de l’intérieur de la maison de poupée, avec des sols inclinés à 90 degrés, qui évoquent davantage des studios que des maisons de famille. Deep Photos: Black & White/Barbie Dream House (Ken) (2025) et Deep Photos: Black & White/Barbie Dream House (Barbie) (2023) sont créées à partir de la maison de poupée Barbie originale, commercialisée en 1962. Simmons les a repeintes en gris, blanc et noir, recouvrant ainsi les couleurs vives d’origine, et y a ajouté des éléments en grisaille pour parfaire l’univers monochrome. Ces sculptures, mêlant références nostalgiques et étrangeté, illustrent l’approche singulière de l’artiste.

La dernière œuvre présentée est une sculpture de gâteau, figure récurrente dans l’œuvre de Simmons depuis la fin des années 1980. Comme les Deep Photos, le gâteau est incliné à 90 degrés et fixé au mur sur un socle gris. Dans les années 1970 et 1980, l’artiste fréquentait le restaurant FOOD à SoHo, fondé par Matta-Clark, où elle découvre la dimension performative de la nourriture. Le gâteau de Simmons, circulaire et recouvert d’un glaçage noir et blanc, est coupé pour révéler son intérieur. Cette pièce incarne la « fiction de l’intériorité » propre à Simmons : une réflexion féministe sur le genre vécu à travers le corps, avec toutes ses blessures et ses joies.

— Craig Garrett, écrivain