Jeff Koons Jeff Koons

Jeff Koons : Humankind Before All

by Joachim Pissarro

“My work is a support system for people to feel good about themselves.” - Jeff Koons 

“He knew the things that were and the things that would be and the things that had been before.” - Homer, The Iliad

          Jeff Koons has had a busy summer.  A troika of career-reaffirming exhibitions have just been taking place throughout Europe : the Fondation Beyeler in Basel has produced a retrospective of his works centered around three principal groups of works (“New,” “Banality,” and “Celebration”); the Schirn Kunsthalle and the Liebieghaus Skulpturensammlung, both in Frankfurt, have been focusing on the two major arteries of Koons’ artistic production : his painting, and his sculpture, exhibited simultaneously, but in two separate Frankfurt venues. The latter venue, the Liebighaus, always hosts an exceptional collection spanning five millennia of sculptures of the highest rank and quality. Koons’s works were seen there, creating an astounding set of dialogues, anchoring his own practice at the heart of a climactic tradition of sculpture – (one of the high points of these dialogues (or duets) was the close and intimate juxtaposition between the artist’s Woman in a Tub, and a monumental altarpiece by Della Robbia Assumption of the Virgin (“Madonna della Cintola”.)

Now, another impressive exhibition of Jeff Koons’ art is about to open : at Almine Rech Gallery in Brussels. This is an event for many reasons: this is the first Koons exhibition in Brussels since 1992, when Made in Heaven was revealed to the Belgian public. More importantly, the present exhibition crowns this summer’s harvest : it concludes, recaps, but also expands again, on this extraordinarily rich and fecund season of exhibitions of Koons’ oeuvre.

Neither Koons nor his art can ever stay static : his oeuvre is like a quivering organism, ceaselessly buzzing with life, producing ever new and more surprising, vivid forms. At Almine Rech Gallery, Jeff Koons is presenting a selection of seventeen works from the past two decades of his production ; recent, and less recent works will be brought in together with brand new works : works from the Celebration (1994-), Popeye (2002-), and Hulk Elvis (2005-) series, will be seen with a few works never yet seen in public, such as a pair of paintings from the artist’s latest series Antiquity (2009-2012). There will also be new works or hybrid works that combine elements from these past various groups. In many ways, then, this exhibition at Almine Rech offers a crisp and precise selection and a summary of some of the iconic paintings and sculptures that have come out of Koons’s studio, and, at the same time, it introduces a ‘new, new, new’ Jeff Koons – one who, ironically, looks towards the dawn of humankind : the exhibition offers us a juncture between past, present and future, but also enables us to penetrate deeper within Koons’s ever more fascinating, and effervescent universe.

Much has been said lately about Koons’s interest in, and indeed, vast knowledge of, art history : Koons tends to be presented as a prodigy son, and grandson of Warhol, Duchamp (namely through his shared fascination for the ready-made), and Michelangelo. One readily forgets that Koons’s interest and engagement in art history is but a special mode of access in order to achieve something he has never stopped emphasizing : his interest in mankind – and indeed, his deep-seated intent to communicate with the rest of humankind. As he once put it to Peter-Klaus Schuster, “I enjoy art, and I feel connected through human history.” Koons means it. Through art, beats the pulse of humanity : Jeff Koons celebrates this aesthetic beat, at all levels possible, in every part of our existences. This is why, to Jeff Koons, beauty is synonymous with “acceptance” : literally, the acceptance that every emotion in front of beauty is worth celebrating – whether it be the excited amazement of a child’s glittering eyes in front of his first inflatable toy, or whether it be the awe-inspired devotion that one imagines in the eyes of our earliest forebears, 27,000 years ago, in front of the Venus of Willendorf (a recent topic of inspiration for Koons.)

But, starting back with Celebration (on view at Almine Rech Gallery), this is a series that, for Koons, was already, precisely, about communication. The works – diamonds, balloon animals, hearts rendered in steels of glowing hues as well as paintings of similar objects – sprang from a desire to connect with his son – and via his son, through mankind, at large. Beginning in 1994, Koons devoted himself to creating these fantastic images, which he has referred to as new archetypes for contemporary mankind. Thus, these images serve to unite viewers – we can see ourselves figuratively, in these wonderful objects from our collective childhood, and literally, mirrored in the sleek steel surface.

The Popeye series, begun in 2002, employs the same vocabulary of children’s toys as Celebration but expands these references, harkening back to his Pop predecessors – through Koons’s own Pop Eye. As Warhol did before him, Koons uses Popeye as an American hero, an instantly recognizable everyman deeply rooted in popular consciousness. Koons also further explores the realm of the Duchampian readymade, casting inflatables – except, of course, that there is nothing ‘ready made’ in any of Koons’s sculptures : quite the opposite, everything is ‘ultra-made’. The lobsters Koons features in this series also remind us of Dalí. Indeed, here, the configurations, juxtapositions, and combinations of sculptural or pictorial elements confer an ironic and surreal touch to these compositions.

The Hulk Elvis series, begun in 2005, centered on this incredible green superhero, links East and West. Says Koons, “For me, the Hulk is functioning globally. It’s representing not only a Western action figure but also an Asian guardian god.” The sculptures of Hulk Elvis take up monumental space, with their fierce, pugilistic presence: cannons, cannonballs, and, of course, the scary Hulk himself. The paintings are complex layers of intricate imagery, often challenging for the eye to untangle. Along with images of steam engines, geishas, inflatable monkeys, Hulks, there are layers of seemingly impressionistic (but rendered in Koons’s exacting method) brush strokes, pornographic scenes executed with a dot matrix, and childlike scribbles, like a popular “Origin of the World by Twombly” drawing, as Koons has referred to it. These layers produce a feast for the eyes, at once instantly recognizable and yet impossible to fully comprehend.

Antiquity is Koons’s most recent series, and links the artist with the oldest forms of art : this is his grandest statement yet on his long-standing exploration of human/art history. Paintings from Antiquity, on display at Almine Rech Gallery, bring to life this notion of acceptance and celebration of all aesthetic emotions : these works display visual collages of disparate references spread on top of each other on several picture planes, tying together various strata of artistic sophistication. The very recent Antiquity (Farnese Bull) (2009-2012), for instance, includes representations of works by unknown street artists, a childlike scribble, a painting by one of Koons’s (and Duchamp’s) personal hero, Louis Eilshemius, as well as some of the greatest works from classical antiquity. The titular Farnese Bull occupies the center of the painting; this large sculptural group, unearthed in the sixteenth century during excavations by Pope Paul III, is flanked by a bronze Priapus and an Aphrodite. On the foreground of the image is a prehistoric Celtic idol that Koons bought from the Internet. Finally, hovering upon all these layers, is a childlike drawing of a sailboat that doubles as an erotic visual double entendre.

From the same ANTIQUITY series, Metallic Venus (2010-2012), an awe-inspiring sculpture wiht fresh flowers next to her, constitutes a true tour de force and an act of departure within the artist’s sculptural oeuvre. This sculpture draws upon the colored stainless steel Celebration works, while also looking back at Praxiteles, the renown Attic sculptor of the 4^th century B.C. who revolutionized the tradition of depiction Aphrodite, by depicting her (in a strangely modern way) as a woman about to have a bath, rather than a deity frozen in her nudity. Koons uses new techniques of manufacturing to produce a liquid finish in which the steel appears to be melting before our eyes, suggesting the very liquid vessel out of which Venus/Aphrodite was born, or from which she was just bathing. Achieving liquidity through a sculptural form is here Koons’s latest and most impressive accomplishment. Venus/Aphrodite is lifting her dress above her head, exposing the origin of her sexual power and a perfectly callipygian rear – all refer back to the beginning  or “The Origin” of the world : the libido and the core of our humanity. Koons has worked with fresh flowers before, on a very large scale in his oversized Puppy and Split-Rocker sculptures. Here the flowers represent the blossoming of sexuality as well as make a statement about the universality of eros: though flowers usually take on transient qualities associated with death, here, constantly tended to and replaced, they are in a permanent state of tumescence.

Human history transcends and absorbs art history : this is what Jeff Koons, one of the greatest living artists today, teaches us. Art only serves to make us become more aware of ourselves as human, as part of humanity – and as part of our co-humanity. A message whose impact today could not be more welcome !

Jeff Koons : L’Humanité avant tout

par Joachim Pissarro

« Mon œuvre offre un soutien aux gens pour qu’ils se sentent bien. » - Jeff Koons

« Il savait les choses présentes, futures et passées. » - Homère, L’Iliade

          Jeff Koons a eu un été bien rempli. Une triade d’expositions réaffirmant l’importance de son parcours viennent de se tenir en Europe : la Fondation Beyeler à Bâle a produit une rétrospective de son œuvre fondée sur trois séries majeures ( “New,“ “Banality,“ et “Celebration“) ; la Schirn Kunsthalle et la Liebieghaus Skulpturensammlung, toutes deux à Francfort, se sont quant à elles concentrées sur les deux formes principales de la production artistique de Koons : la peinture d’une part et la sculpture de l’autre, exposées simultanément, mais dans deux institutions distinctes de Francfort. Le second de ces lieux d’exposition, la Liebieghaus, abrite une collection permanente exceptionnelle couvrant 5.000 ans de sculpture, composée d’œuvres de premier ordre d’une qualité incomparable. L’installation de pièces de Koons a donné naissance à une série de dialogues fascinants entre les œuvres, et ancré la pratique de l’artiste au cœur d’une tradition sculpturale à son apogée – la juxtaposition intime de Woman in a Tub de l’artiste et d’un retable monumental de Della Robbia intitulé Assomption de la Vierge (“Madonna della Cintola“) formait un des points culminants de ces dialogues (ou duos).

Une autre exposition marquante de l’œuvre de Jeff Koons va s’ouvrir aujourd’hui, à la galerie Almine Rech à Bruxelles. Elle constitue un événement, et ce pour plusieurs raisons : il s’agit de la première exposition consacrée à Jeff Koons à Bruxelles depuis 1992, lorsque Made in Heaven fut révélé au public belge. Ensuite, et ceci est encore plus significatif, la présente exposition vient en quelque sorte couronner la moisson de cet été : elle conclut, récapitule, mais également poursuit cette saison extraordinairement riche et féconde d’expositions de l’œuvre de Koons.

A l’image de son créateur, l’art de Koons ne peut rester immobile : son œuvre est pareille à un organisme frémissant, bourdonnant constamment de vie et produisant des formes vives toujours neuves, toujours surprenantes. L’artiste présente à la galerie Almine Rech une sélection de dix-sept pièces réalisées durant ces vingt dernières années ; des œuvres récentes ou plus anciennes côtoieront de toutes nouvelles pièces : des œuvres des séries Celebration (1994-), Popeye (2002-) et Hulk Elvis (2005-) seront exposées avec quelques pièces qui n’ont jamais été montrées au public, comme deux peintures de la dernière série de l’artiste, Antiquity (2009-2012). On pourra également voir de nouvelles œuvres, et des pièces hybrides qui combinent des éléments de ces diverses séries. A plusieurs égards, l’exposition de la galerie Almine Rech propose donc une sélection épurée et précise offrant un aperçu de certaines des peintures et sculptures les plus emblématiques qui soient sorties de l’atelier de Koons. En même temps, elle présente un Jeff Koons  ‘nouveau, nouveau, nouveau’ qui, paradoxalement, a le regard tourné vers l’aube de l’humanité : l’exposition nous offre un point de jonction entre passé, présent et futur, tout en nous permettant de pénétrer plus profondément dans l’univers toujours plus fascinant et plus effervescent de Koons.

On a beaucoup écrit ces derniers temps sur l’intérêt que porte Jeff Koons à l’histoire de l’art, et sur ses vastes connaissances en ce domaine : on tend à le présenter comme le fils et petit-fils prodige d’Andy Warhol, de Marcel Duchamp (notamment à cause de leur fascination partagée pour le ready-made) et de Michel-Ange. On oublie trop souvent que l’engagement de Koons envers l’histoire de l’art n’est qu’un moyen particulier d’atteindre ce dont il n’a cessé de souligner l’importance : son intérêt pour l’humanité – et l’envie, profondément ancrée en lui, de communiquer avec le reste du genre humain. Comme il l’a dit par le passé à Peter-Klaus Schuster, “J’apprécie l’art, et je me sens connecté à l’histoire humaine“. Koons le croit fermement. C’est dans l’art que bat le pouls de l’humanité : Jeff Koons célèbre cette pulsation esthétique à tous les niveaux possibles, dans chaque recoin de nos existences. Ainsi, la beauté est pour lui synonyme d’ “acceptation“ : littéralement, l’acceptation que chaque émotion éprouvée devant la beauté vaut la peine d’être célébrée – qu’il s’agisse de l’étonnement ravi qu’on lit dans les yeux brillants d’un enfant face à son premier jouet gonflable, ou de la profonde dévotion que l’on imagine dans le regard de nos ancêtres les plus lointains, il y a quelque 27.000 ans, devant la Vénus de Willendorf (une source d’inspiration récente pour Koons).

Mais revenons-en à Celebration (exposée à la galerie Almine Rech) : il s’agit d’une série qui, pour Koons, portait déjà précisément sur la communication.Les œuvres – des diamants, des ballons en forme d’animaux ou des cœurs, réalisés en acier dans des couleurs éclatantes, ainsi que des peintures représentant ces mêmes objets – sont nées du désir de tisser un lien avec son fils – et, à travers son fils, avec l’humanité dans son ensemble. Koons s’est consacré à la création de ces images fantastiques à partir de 1994, et les a désignées comme de nouveaux archétypes pour l’humanité contemporaine. Ces images servent ainsi à unir les spectateurs – on peut s’apercevoir au sens figuré dans ces merveilleux objets issus de notre enfance collective, mais également au sens littéral, par les reflets sur la surface lisse comme un miroir de l’acier poli qui nous renvoie à notre propre image.

La série Popeye, entamée en 2002, emploie comme Celebration le vocabulaire des jouets pour enfants, mais développe ces références, Koons tournant alors son regard vers ses prédécesseurs du Pop jusqu’à en arriver à son propre Pop Eye. Comme Warhol avant lui, Koons utilise Popeye pour son statut de héros américain, d’homme ordinaire immédiatement reconnaissable et profondément enraciné dans la conscience populaire collective. Koons poursuit également son exploration du domaine du ready-made duchampien, en reproduisant des objets gonflables – sauf, bien entendu, qu’il n’y a rien de ‘ready made’, de ‘tout fait’, dans les sculptures de Koons : au contraire, tout y est ‘ultra fait’. Les homards que l’artiste présente dans cette série nous rappellent aussi Dalí. En effet, les configurations, les juxtapositions et les combinaisons d’éléments sculpturaux ou picturaux confèrent une touche ironique et surréelle à ces compositions.

Initiée en 2005, la série Hulk Elvis, basée sur ce fantastique superhéros vert, relie l’Est à l’Ouest, comme l’explique Koons : “Pour moi, la figure de Hulk fonctionne à l’échelle mondiale. Elle représente non seulement une figurine occidentale mais également une divinité protectrice orientale“. Les sculptures de la série Hulk Elvis occupent un espace gigantesque par la présence féroce et combative de leurs canons, leurs boulets, et bien sûr de la figure effrayante de Hulk lui-même. Les peintures sont des compositions complexes faites de strates d’une imagerie élaborée, que l’œil peine souvent à décrypter. Les images de locomotives à vapeur, de geishas, de singes gonflables ou de Hulk s’accompagnent de couches de traits de pinceau apparemment impressionnistes (mais exécutés suivant la méthode astreignante de Koons), d’une imagerie sexuelle réalisée à l’aide d’un matriciel, et de gribouillages enfantins, version populaire de “L’Origine du monde par Twombly“, comme l’a appelée Koons. Ces strates, immédiatement reconnaissables et pourtant impossibles à saisir dans leur totalité, forment un régal pour les yeux.

Antiquity est la série la plus récente de Koons ; elle le rattache aux formes artistiques anciennes et constitue à ce jour son affirmation la plus forte de sa passion de longue date pour l’histoire de l’homme et de l’art. Les peintures de cette série exposées à la galerie Almine Rech incarnent la notion d’acceptation et de célébration de toutes les émotions esthétiques : ces œuvres sont des collages visuels de références disparates qui s’étendent l’une par-dessus l’autre sur plusieurs plans de l’image, associant diverses strates de sophistication artistique. Le très récent Antiquity (Farnese Bull) (2009-2012), par exemple, rassemble des représentations d’œuvres d’artistes de rue inconnus, un gribouillage enfantin, une peinture d’un des héros personnels de Koons (et de Duchamp), Louis Eilshemius, ainsi que certaines des œuvres les plus importantes de l’Antiquité classique.

Le Taureau Farnèse, qui confère son titre à ce tableau, occupe le centre de la peinture ; ce grand ensemble sculptural, découvert au cours du XVI^e siècle lors de fouilles effectuées par le Pape Paul III, est flanqué d’un Priape et d’une Aphrodite en bronze. A l’avant-plan se trouve une idole celte antique, connue sous le nom de Raglan Carving, dont Koons a fait l’acquisition pour sa collection personnelle. Enfin, un dessin enfantin d’un voilier, qui au niveau visuel fonctionne également comme un sous-entendu érotique, surplombe ces différentes couches.

Metallic Venus (2010-2012), une impressionnante sculpture de la même série ANTIQUiTY, qui comprend des fleurs fraîches, constitue un véritable tour de force et un nouveau départ dans l’œuvre sculpturale de l’artiste. Elle s’inspire des pièces en acier inoxydable coloré de la série Celebration tout en renvoyant à Praxitèle, le célèbre sculpteur de l’Attique du IV^e siècle av. J.-C. qui a révolutionné la tradition de la représentation d’Aphrodite, en la montrant (de manière étonnamment moderne) comme une femme sur le point de prendre un bain plutôt que comme une divinité figée dans sa nudité. Koons utilise de nouvelles techniques de production pour arriver à une finition à l’aspect liquide, où l’acier semble fondre devant nos yeux, suggérant ainsi la liquidité-même de laquelle Venus/Aphrodite est issue. Venus/Aphrodite relève sa robe par-dessus sa tête, exposant ainsi l’origine de son pouvoir sexuel et un postérieur parfaitement callipyge – l’ensemble renvoie au commencement ou à “L’Origine“ du monde- une référence incontournable chez Koons. Aux côtés de cette Venus, se trouvent des fleurs fraîches. Koons a déjà travaillé avec des fleurs par le passé, pour ses sculptures surdimensionnées Puppy et Split-Rocker. Dans cette œuvre-ci, les fleurs représentent l’éclosion de la sexualité et constituent une affirmation de l’universalité de l’éros : bien que les fleurs incarnent généralement des qualités transitoires associées à la mort, par leur entretien et leur remplacement constant, elles sont ici dans un état permanent de tumescence.

L’histoire humaine transcende l’histoire de l’art – voici ce que Jeff Koons, l’un des plus grands artistes vivants de notre époque, nous apprend : l’art ne sert qu’à nous rendre plus conscients de nous-mêmes en tant qu’êtres humains, parties de l’humanité – et de notre co-humanité. A l’heure actuelle, c’est un message dont l’impact est particulièrement bienvenu !

Jeff Koons : de mensheid vóór alles

 door Joachim Pissarro

‘Mijn werk helpt mensen om zich goed in hun vel te voelen.’ - Jeff Koons

‘Hij kende heden, toekomst en verleden.’ - Homerus, Ilias

          Jeff Koons heeft een drukke zomer achter de rug. In Europa liepen drie tentoonstellingen die zijn carrière voor het voetlicht brachten: terwijl de Fondation Beyeler in Basel een retrospectief organiseerde die focuste op zijn reeksen (“The New,“ “Banality“ en “Celebration“), was het de Schirn Kunsthalle en de Liebieghaus Skulpturensammlung in een gelijktijdig initiatief op twee verschillende plaatsen in Frankfurt te doen om respectievelijk Koons’ schilderkunst en zijn beeldhouwkunst, de twee polen van zijn artistieke activiteit. Het Liebieghaus heeft een permanente collectie met topstukken uit vijf millennia beeldhouwkunst. Door Koons’ werken een plaats te geven te midden van deze meesterwerken ontstond een reeks verrassende dialogen of duetten, waarvan die tussen zijn Woman in a Tub en de vlak ernaast hangende monumentale “Madonna della Cintola“ van Della Robbia, een retabel met de Tenhemelopneming van Maria, ronduit fascinerend was.

Binnenkort gaan in de Almine Rech Gallery in Brussel de deuren open van een nieuwe indrukwekkende tentoonstelling met werk van Jeff Koons. Dat is om meer dan één reden een belangrijke gebeurtenis: het is niet alleen zijn eerste tentoonstelling in Brussel sinds 1992, toen het Belgische publiek kon kennismaken met Made in Heaven, het is ook en vooral de kroon op zijn bijzonder vruchtbare expositie-zomer, die hier wordt samengevat en tegelijk verder verrijkt.

Koons en zijn werk zijn altijd in beweging: zijn oeuvre is als een organisme dat trilt van leven en steeds nieuwe, nog verrassender vormen van intens leven voortbrengt. In de Almine Rech Gallery zijn zeventien werken uit zijn productie van de voorbije twintig jaar te zien. Er worden recente en minder recente maar ook gloednieuwe realisaties getoond: werken uit de reeksen Celebration (1994-), Popeye (2002-), en Hulk Elvis (2005-) komen er samen met nooit eerder in het openbaar getoonde werken, onder meer een paar schilderijen uit Antiquity, zijn laatste reeks (2009-2012). Ook zijn er nieuwe of hybride werken die elementen uit de genoemde reeksen combineren. Terwijl de tentoonstelling dus op meer dan één manier via een bondige en precieze selectie een samenvatting biedt van het iconische schilder- en beeldhouwwerk uit Koons’ studio, toont ze ons tegelijk een volledig nieuwe Jeff Koons, een kunstenaar die, ironisch genoeg, vooruitkijkt naar de dageraad van de mensheid. Op de tentoonstelling komen verleden, heden en toekomst samen maar kunnen we ook dieper doordringen in de steeds boeiender en bruisender wereld van Jeff Koons.

Onlangs is veel inkt gevloeid over zijn belangstelling voor en ruime kennis van de kunstgeschiedenis. Koons wordt vaak voorgesteld als het wonderkind en -kleinkind van Warhol, Duchamp (wegens hun beider fascinatie voor readymades) en Michelangelo. Men vergeet dan gemakkelijk dat zijn betrokkenheid bij de kunstgeschiedenis slechts een toegangsweg is tot iets wat hij altijd heeft benadrukt: zijn belangstelling voor de mensheid. Hij heeft inderdaad altijd al willen communiceren met de rest van de mensheid. Zo zei hij zelf aan Peter-Klaus Schuster: “Ik houd van kunst en voel mij zo verbonden met de geschiedenis van de mensheid“. Dat meent hij. In de kunst klopt het hart van de mensheid en die hartslag wil Koons naar voren halen, op alle niveaus en in alle onderdelen van ons bestaan. Daarom is schoonheid voor hem synoniem met “aanvaarding“: hij aanvaardt dat elke emotie in verband met schoonheid de moeite waard is, zowel de van verwondering glinsterende ogen van een kind dat zijn eerste opblaasbare speeltuig ziet als de van ontzag wijd openstaande ogen waarmee onze voorouders 27.000 jaar geleden naar de Venus van Willendorf (die Koons onlangs sterk is gaan inspireren) moeten hebben gekeken.

Reeds Celebration (te zien in de Almine Rech Gallery) ging over communicatie. Koons begon eraan in 1994. De werken van deze reeks – diamanten, ballondieren, stalen harten in felle kleuren en schilderijen van dergelijke objecten – zijn ontsprongen aan zijn verlangen om te dialogeren met zijn zoon en via zijn zoon met de hele mensheid. Voor de kunstenaar zijn deze fantastische beelden nieuwe archetypes voor de hedendaagse mens. Ze brengen de kijkers samen, want die zien zich niet alleen weerspiegeld in het glanzende oppervlak maar ontdekken via deze wonderlijke objecten ook dat ze allemaal kind zijn geweest.

In 2002 begon Koons met de reeks Popeye. Daarin werkt hij met hetzelfde speelgoed-idioom als in Celebration, maar nu met verwijzingen naar zijn voorgangers in de popart – zoals hij ze ziet door zijn eigen Pop Eye. Net als Warhol gebruikt hij Popeye als onmiddellijk herkenbare en diep in het bewustzijn van het volk verankerde prototype van de Amerikaanse held. Tegelijk verkent hij met zijn opblaasbare werken verder de mogelijkheden van de readymades à la Duchamp, met dien verstande evenwel dat zijn sculpturen allesbehalve ‘ready made’ zijn: ze zijn ‘ultra made’. Verder doen de zeekreeften in deze reeks denken aan Dalí: de configuraties en combinaties van sculpturale en picturale elementen geven deze composities iets ironisch en surrealistisch.

De reeks Hulk Elvis, begonnen in 2005, gaat over een ongelooflijke groene superheld en verbindt Oost en West. Koons: “Voor mij functioneert de Kolos wereldwijd. Hij staat zowel voor een westerse actiefiguur als voor een Aziatische beschermgod.“ De sculpturen van de reeks nemen enorm veel plaats in; met de kanonnen en kanonskogels die bij hem horen lijkt de schrikaanjagende Kolos één en al vechtlust. De schilderijen vormen een complex en gelaagd spel van in elkaar verweven beelden die voor de kijker vaak moeilijk te ontwarren zijn. Beelden van stoomwerktuigen, geisha’s, opblaasbare apen en Kolossen gaan er samen met lagen schijnbaar impressionistische (maar op Koons veeleisende wijze aangebrachte) penseelstreken, pornografische taferelen die hij uitwerkt met een matrixprinter, en kinderlijke krabbels als volkse versies van de “Oorsprong van de Wereld door Twombly“, zoals Koons het zelf formuleerde. De onmiddellijk herkenbare en toch nooit volledig te begrijpen lagen zijn een feest voor het oog.

Antiquity, Koons’ jongste reeks, verbindt de kunstenaar met zeer oude kunstvormen. Nooit eerder in zijn lange verkenning van de mensen- en de kunstgeschiedenis leverde hij een zo groots statement af. De schilderijen van Antiquity die in de Almine Rech Gallery te zien zijn, maken duidelijk wat hij bedoelt met ‘alle esthetische emoties aanvaarden en naar waarde schatten’. Het zijn visuele collages van uiteenlopende referenties die op meerdere plannen en in verschillende graden van artistieke gesofisticeerdheid over elkaar heen liggen. Zo bevat Farnese Bull (2009-2012) afbeeldingen van werken van onbekende straatkunstenaars, een kinderlijke krabbel, een schilderij van Louis Eilshemius (naar wie hij, net als Duchamp, erg opkeek) en verwijzingen naar topwerken van de klassieke oudheid. Het midden van het schilderij wordt ingenomen door de Stier van Farnese van de titel, een grote gebeeldhouwde groep die werd opgegraven onder paus Paulus III (16e eeuw). Links en rechts daarvan bevinden zich een bronzen Priapus en een Aphrodite. Op het voorplan zien we een prehistorisch Keltisch godenbeeld dat Koons op het internet kocht. Over dat alles zweeft als een erotische visuele woordspeling een kinderlijke tekening van een zeilboot. 

Metallic Venus (2010-2012), dat deel uitmaakt van dezelfde reeks, is een ontzagwekkend beeld met daarnaast verse bloemen. Met deze technische krachttoer zet Koons als beeldhouwer een nieuwe stap. Het werk sluit aan bij de beelden in gekleurd roestvrij staal van Celebration, maar refereert ook aan Praxiteles, de bekende Griekse beeldhouwer van de vierde eeuw voor Christus die Aphrodite niet meer, zoals tot dan toe de gewoonte was, voorstelde als een statisch naakt, maar, op een bijna moderne manier, als een vrouw die een bad gaat nemen. Dankzij het gebruik van nieuwe technieken kon Koons het beeld afwerken met een vloeibaar middel dat ons de indruk geeft dat het staal voor onze ogen aan het smelten is – een duidelijke verwijzing naar het water waaruit Venus/Aphrodite geboren is of waarin zij gaat baden. Een gebeeldhouwde vorm vloeibaar doen overkomen is Koons’ laatste en meest indrukwekkende huzarenstukje. Venus/Aphrodite tilt haar jurk boven haar hoofd en toont zo de bron van haar seksuele kracht en haar welgevormde derrière – twee verwijzingen naar het  begin of “de Oorsprong“ van de wereld: de libido als kern van het mens-zijn. Koons heeft al eerder met verse bloemen gewerkt, en wel op grote schaal, namelijk in zijn oversized beelden Puppy en Split-Rocker. Hier symboliseren de bloemen de bloei van de seksualiteit en de universaliteit van eros. Bloemen verwelken en daarom verwijzen ze gewoonlijk naar dood en vergankelijkheid, maar hier worden ze voortdurend vervangen, zodat het object waarop ze staan voortdurend gezwollen lijkt.

De mensengeschiedenis overstijgt de kunstgeschiedenis en neemt haar in zich op. Dat is wat Jeff Koons, een van de grootste levende kunstenaars, ons leert. Kunst dient alleen om ons meer te doen beseffen dat wij mensen zijn en samen met anderen deel uitmaken van de mensheid. Die boodschap is vandaag meer dan welkom!